1 IMAGE ART 一影像

10/12/2025

各位一影像的夥伴們，晚安。
在這個城市的喧囂逐漸沈澱下來的時刻，或許正是我們靜下心來，重新審視觀景窗的最佳時機。
最近在整理一些國外的攝影論述時，我反覆看到一個詞彙："Photographing with Intention"（帶著意圖攝影）。
很多時候，特別是在數位相機與手機攝影極度便利的現在，我們很容易陷入一種「掃射模式」（Spray and Pray）。看到美景，舉起相機，啪啪啪連拍十張，心想：「總有一張是準的吧？」
但真正觸動人心的作品，往往不是「碰」出來的，而是「想」出來的。

📷 什麼是「帶著意圖」？
簡單來說，就是在你按下快門的前一秒，先問自己一個問題：「為什麼我要拍這張照片？」
這不僅僅是關於構圖、光圈或快門的技術設定，而是關於**「你希望這張照片說什麼故事？」或是「你希望觀看者有什麼樣的情緒？」**
當你有了意圖，攝影就不再只是紀錄（Recording），而是一種創作（Creating）。

💡 大師們怎麼說？
風景攝影大師 安瑟·亞當斯（Ansel Adams） 曾經說過一句震耳欲聾的名言：
"You don't take a photograph, you make it."
（你不是「拍」照片，你是「製造」照片。）
這句話的核心就是「意圖」。亞當斯著名的「預視化」（Visualization）理論，就是要求攝影師在底片曝光之前，腦海中就已經看見了最終沖洗出來的成品畫面。他清楚知道這座山的陰影要多深，天空的雲層要多有張力。他不是在等待運氣，他是在執行他的意圖。
另一位紀實攝影大師 多蘿西亞·蘭格（Dorothea Lange） 則說：
"The camera is an instrument that teaches people how to see without a camera."
（相機是一個教導人們如何在沒有相機時觀看的工具。）
如果沒有意圖，我們只是在看（Looking）；有了意圖，我們才是在看見（Seeing）。

🔍 案例思考：運氣 vs. 意圖
讓我們來談談街頭攝影。很多人誤以為街頭攝影就是「隨手抓拍」，看運氣吃飯。但如果你去研究瑪格南（Magnum）攝影師的印樣（Contact Sheets），你會發現完全不同的真相。
你會看到攝影師在同一個場景徘徊，他們不是漫無目的地亂按。他們可能發現了一道完美的光影（這是意圖），然後像獵人一樣在那裡等待一個合適的人物走入光中（這是執行）。
* 無意圖的拍攝： 看到一個人走在街上 -> 按下快門。結果：一張路人照。
* 有意圖的拍攝： 看到這個人神情落寞，背景是繁華卻冷漠的廣告看板 -> 等待他轉頭的瞬間 -> 調整曝光壓暗周圍 -> 按下快門。結果：一張探討「城市孤獨感」的作品。
帶著意圖，意味著你要學會**「減法」**。因為你知道你要表達的主題是什麼，你就會知道哪些雜物必須被排除在觀景窗之外。

🌙 給你的夜間小作業
下一次拿起相機時，試著慢下來。在手指觸碰快門之前，給自己三秒鐘的停頓。
1. Feeling（感受）： 我現在感覺到了什麼？（寧靜、混亂、快樂、憂傷？）
2. Story（故事）： 我想透過畫面傳達什麼訊息？
3. Technique（技術）： 我的參數設定能輔助這個故事嗎？
攝影是一面鏡子，它映照出的不只是眼前的世界，更是攝影師內心的投射。帶著意圖攝影，其實就是帶著靈魂去觀看。
夜深了，願大家都能在攝影的路上，找到屬於自己的那份篤定。晚安。

你有沒有哪一張照片，是在按下快門前就已經在腦海中「看見」完成品的呢？歡迎在留言區貼出來跟我們分享！ 👇
#一影像 #攝影心法 #攝影思考 #深夜攝影哲學

09/12/2025

🌙 夜色降臨，當城市陷入沉睡，有些人卻帶著他們的相機，捕捉黑夜中最動人的光芒。今天來向三位在夜間攝影領域獨樹一幟的大師致敬，他們的作品證明了：黑暗，才是光線最好的舞台！

1. 巴黎夜巡者：Brassaï (布拉塞)
「黑夜不是白天的反面，它是另一個世界。」

如果你愛黑白攝影，絕對不能繞過 Brassaï。他在 1930 年代出版的傳奇攝影集《夜之巴黎》(Paris de Nuit)，定義了我們對老巴黎夜晚的所有想像。

那是一個沒有高感光度相機的年代。Brassaï 扛著笨重的相機，穿梭在霧氣瀰漫的塞納河畔、鵝卵石街道，以及充滿煙味的地下酒館。他記錄的不只是風景，更是夜行者的生態——戀人、流浪漢、黑幫與夜總會舞者。由於長時間曝光，他的照片充滿了強烈的反差與粗糙的顆粒感，那種「不完美的完美」，恰恰傳達了深夜巴黎那種危險又迷人的氣息。

2. 寂靜的長曝詩人：Michael Kenna (麥可·肯納)
「我喜歡在黑暗中工作，因為你看不到太多，這迫使你運用想像力。」

如果 Brassaï 的夜是喧囂的，那 Michael Kenna 的夜就是絕對的死寂。這位英國攝影師以其極簡主義的黑白風景聞名全球。

Kenna 最令人驚嘆的技法，是在夜間進行長達數小時的曝光。在他的鏡頭下，流動的水面化為如絲綢般的霧氣，天空中的雲層流動成畫筆的軌跡，星軌在樹梢間拉出長線。他利用底片的「倒易律失效」（Reciprocity Failure），讓底片在長時間吸光後呈現出無法預測的奇異色調與層次。看著他的照片，你會感到一種近乎禪意的平靜，彷彿時間被凍結在那個永恆的黑夜裡。

3. 孤獨的窺視者：Todd Hido (托德·希多)
「我拍攝的是那些充滿故事，卻無人訴說的房子。」

來到當代，我們不能不提 Todd Hido。與前兩位的黑白世界不同，Hido 的夜是彩色的，而且帶著一種像是電影截圖般的懸疑感。

他最著名的系列《House Hunting》，是在無數個陰雨綿綿的夜晚，開著車在美國郊區遊蕩所拍下的。他透過擋風玻璃，拍攝那些路燈下、窗戶透著微光的房子。畫面中沒有人，但那扇發光的窗戶卻讓人忍不住猜想：裡面發生了什麼事？是爭吵、是溫存，還是徹夜難眠？Hido 運用冷暖色調的對比（藍色的夜色與黃色的室內光），營造出一種既疏離又私密的心理景觀，精準擊中了現代人內心深處的孤獨感。

這三位大師證明了，攝影不一定要追逐陽光。有時候，最動人的故事，往往藏在陰影裡。

📷 今晚換你分享： 在這三位攝影師中，你最喜歡哪一種夜的風格？ 1️⃣ Brassaï 的紀實與粗糲 2️⃣ Michael Kenna 的極簡與寧靜 3️⃣ Todd Hido 的懸疑與電影感

或者，貼上一張你自己最滿意的「夜間攝影」作品，讓我們在留言區蓋一座不夜城吧！👇

#一影像 #攝影大師 #夜間攝影 #攝影史 #深夜發文

07/12/2025

【R.I.P. 傳奇殞落】你我眼中的日常，是他鏡頭下的荒謬與真實：送別 Martin Parr (1952-2025)

👋 各位一影像的粉絲朋友們，晚安，我是版主。
今晚，攝影界傳來了一個令人心碎的消息。那個總是拿著環形閃光燈、用最鮮豔的色彩去刺破生活假象的英國攝影大師——馬丁·帕爾（Martin Parr），經馬丁·帕爾基金會（Martin Parr Foundation）證實，於昨日（12月6日）因癌症在布里斯托的家中安詳離世，享壽 73 歲。
這或許是當代紀實攝影最黯淡的一天。如果說布列松定義了「決定性瞬間」的優雅，那 Martin Parr 絕對是那個打破優雅、把鏡頭粗暴地懟向我們鼻尖，逼我們看清這個消費社會充滿諷刺與黑色幽默的「頑童」。

📸 從黑白到彩色的叛逆之路
1952 年出生於英國薩里的 Parr，早年其實也是拍黑白紀實攝影起家。但在 80 年代，他做了一個讓當時保守的攝影圈大跌眼鏡的決定——轉向彩色攝影。
當時的攝影界有一種傲慢，認為「彩色是給商業廣告用的，黑白才是藝術」。但 Parr 不信這一套。受到美國彩色攝影先驅（如 William Eggleston）以及英國明信片美學的影響，他拿起了中畫幅相機和充滿挑釁意味的閃光燈，走進了新布賴頓（New Brighton）的海灘。
這就是那本震驚世界的《The Last Resort》（最後的度假勝地，1986）。照片裡沒有優美的夕陽和微笑的孩童，只有擁擠的人潮、滿地的垃圾、吃得滿嘴番茄醬的遊客，以及那種在雜亂中透出的、令人不安的生命力。這組作品不僅奠定了他「高飽和度、近距離、使用閃光燈」的標誌性風格，更重新定義了英國的紀實攝影。

👽 來自外星球的特務：馬格蘭的「異類」
談到 Martin Parr，絕對不能不提他與馬格蘭攝影通訊社（Magnum Photos）那段著名的「恩怨情仇」。
當他在 1994 年申請成為馬格蘭正式會員時，遭到了極大的阻力。以布列松為首的古典人道主義攝影師們難以接受這種看似「殘忍」、「嘲諷」的視角。布列松甚至親筆寫信給他，說他是「來自另一個太陽系的異類（Alien）」。
但 Parr 的回應堪稱經典，他回信道：「亨利，你所說的非常有意思，但我並沒有要『射殺』信使（shoot the messenger），我只是在展示這個世界的樣子。」
最終，他以一票之差驚險入會。時間證明了一切，Parr 不僅成為了馬格蘭最活躍、最賺錢的攝影師之一，甚至後來還擔任了馬格蘭的主席。他用行動證明，紀實攝影不一定要悲天憫人，也可以是辛辣的社會學觀察。

🌍 平凡生活的社會學家
Parr 曾說一句我很愛的話：「攝影最偉大的事情，就是能把平凡的事物變得非凡。」（The great thing about photography is that it can make the ordinary, extraordinary.）
他一輩子都在拍我們覺得「無聊」的東西：超級市場的貨架、遊客俗氣的自拍、英國人糟糕的牙齒、富豪們無聊的派對。在他著名的《Common Sense》、《Small World》系列中，全球化、消費主義、大眾旅遊的荒謬性被他展露無遺。
看他的照片，你會笑，但笑完之後，你會感到一陣刺痛。因為你會發現，他拍的不是別人，正是深陷在這個消費社會中的我們自己。他把這稱之為「偽裝成娛樂的嚴肅攝影」。

📚 永遠的推廣者與收藏家
除了是攝影師，Parr 對攝影書（Photobook）的貢獻更是功不可沒。他與 Gerry Badger 合著的《The Photobook: A History》三部曲，幾乎憑一己之力將「攝影書」提升到了與攝影原作同等的藝術地位，挖掘了無數被遺忘的傑作。
2017 年，他在布里斯托成立了「馬丁·帕爾基金會」，致力於推廣英國紀實攝影，提攜後進。直到過世前幾年，他依然活躍在第一線，策展、出版、甚至還在 Instagram 上跟粉絲互動。

版主現在看著書架上那本封面鮮豔的 Parr 攝影集，心裡五味雜陳。那個穿著涼鞋配襪子、總是帶著一臉壞笑的老頑童走了，但他留給我們的，是一雙「看見荒謬」的眼睛。
在這個人人都是攝影師、手機隨手拍的年代，Martin Parr 的精神或許比以往任何時候都更重要：不要去尋找那些被拍爛的美景，去看看你腳下的垃圾、去看看超市的排隊人潮，生活最真實的切片，往往就在那些最不起眼的地方。
再見了，Martin。謝謝你教會我們如何用閃光燈，照亮這個世界的滑稽與真實。
🕯️ 【互動時間】 你是從哪一張照片或哪一本書開始認識 Martin Parr 的呢？歡迎在留言區貼出你最喜歡的大師作品，或分享你的看法，讓我們一起用影像緬懷這位傳奇。

#一影像 #攝影大師 #紀實攝影

05/12/2025

各位一影像的朋友們，大家週五好！終於來到這週的最後一個工作日了 🎉。
在這個即將迎接週末、或許正準備背起相機出門的時刻，版主想和大家聊一個在攝影圈常被提起，卻又總是讓人覺得「霧裡看花」的詞彙——「當代攝影」（Contemporary Photography）。
這四個字聽起來很學術，甚至有點高冷。你可能在美術館看過某些作品，心裡嘀咕：「這不就是隨手亂拍嗎？」或者「這張照片到底想說什麼？」
其實，弄懂「當代」的邏輯，不只是為了看懂展覽，更能幫助我們突破創作的瓶頸。今天，我們就來試著拆解這個龐大的概念。

📷 當代攝影：不只是一個時間刻度
首先，我們要釐清一個誤區：「當代」不只是指「現在正在發生的事」。
在攝影史的脈絡裡，現代主義攝影（Modernism）追求的是「純粹的視覺」——光影的極致、構圖的完美、決定性的瞬間（The Decisive Moment）。然而，當代攝影則是一場從「視覺」轉向「觀念」的叛變。
如果說傳統攝影是關於「如何把世界拍得好看」，那麼當代攝影就是在問：「我們為什麼要這樣拍？」以及「照片背後的機制是什麼？」。
1. 觀念先決：形式服從於內容
在當代攝影中，「想法」（Concept）往往比「技術」（Technique）更重要。這並不是說技術不重要，而是技術必須為想法服務。
以往我們評判一張照片，會看它有沒有對焦、曝光是否正確。但在當代藝術的語境下，模糊、顆粒、過曝，甚至是用手機隨手拍的「粗糙感」（Snapshot Aesthetic），都可以是藝術表達的一部分。例如 Wolfgang Tillmans 的作品，他將日常的瑣碎、甚至列印錯誤的痕跡視為對真實生活的某種回應。
版主筆記： 當代攝影師不再只是「發現」畫面的人，而是圖像的「導演」或「編輯」。
2. 從「鏡子」到「窗戶」，再到「屏風」
攝影理論大師 John Szarkowski 曾將攝影分為「鏡子」（反映創作者內心）與「窗戶」（探索外在世界）。但到了當代，這個界線模糊了，甚至出現了第三種狀態——「＃建構」（Construction）。
我們看到了像 Jeff Wall 或 Gregory Crewdson 這樣的藝術家。他們的作品看起來極度真實，但其實每一個細節、每一道光線都是經過精密安排的，就像拍電影一樣。
這帶出了一個重要的當代論述：「 ＃攝影不再是真理的證據」。
在數位修圖與 AI 生成氾濫的今天，當代攝影師反而利用這種「虛構性」來探討真實。當照片不再能證明「我在現場」，它反而更能自由地去講述一個寓言、一個心理狀態，或是一個社會隱喻。這就是所謂的**「＃編導式攝影」（Staged Photography）**。
3. 冷面美學（Deadpan）：拒絕情緒的濫情
你有沒有注意過，很多當代攝影大作看起來都「冷冷的」？
受德國杜塞道夫學派（Düsseldorf School of Photography）影響，如 Andreas Gursky 或 Thomas Struth 的作品，往往採用巨大的尺幅、極高的清晰度，以及一種客觀、疏離、無表情的視角來拍攝超市、證券交易所或巨大的建築。
這被稱為**「＃冷面美學」**。
他們拒絕在照片中加入攝影師個人的強烈情緒（不像紀實攝影常帶有的悲憫或批判）。他們退後一步，讓事物的細節自己說話。這種「無聊」其實是一種力量，它強迫觀眾長時間地凝視那些我們平時忽略的宏觀結構，思考資本主義、全球化與人類的處境。
4. 檔案與類型學：收集世界的碎片
另一種常見的當代手法是**「＃類型學」（Typology）**。這源於 Bernd & Hilla Becher 夫婦拍攝的水塔系列。
當代攝影師常像個科學家或檔案管理員，他們拍攝一系列相似的物體、建築或人，然後並置展示。單看一張照片可能平淡無奇，但當一百張相似的照片排在一起時，**「差異」與「重複」**就產生了巨大的意義。這是一種通過「收集」來理解世界的方式。

🧐 觀眾角色的轉變
最後，當代攝影最有趣的一點，在於它改變了**「你」**（觀眾）的角色。
在過去，攝影師拍好照片，告訴你：「看，這很美」或「看，這很慘」。你是被動的接受者。
但在當代攝影中，作品往往是一個**「未完成的句子」或一個「提問」**。
* 「為什麼這張照片只拍了一個角落？」
* 「為什麼這個人要背對鏡頭？」
藝術家故意留白，邀請你用自己的經驗、記憶和知識去填補這個意義。如果你看不懂，那不是你笨，而是因為當代攝影本來就是一場開放式的對話，而不是單向的廣播。

給一影像粉絲的週末思考
寫了這麼多，其實版主最想說的是：不要被「當代」這兩個字嚇到了。
當代攝影告訴我們，攝影的可能性是無限的。你不一定要去追逐最美的夕陽，也不一定要買最貴的鏡頭。
* 你可以試著拍攝身邊最不起眼的物件，但用一種像是拍攝標本的方式去拍（嘗試冷面美學）。
* 你可以不按快門，而是去收集老照片來重新拼貼（挪用與檔案化）。
* 你可以精心佈置一個場景，講述你夢中的故事（編導式攝影）。
這個週末，當你舉起相機時，試著多想一層：「除了紀錄眼前看到的，我還能『創造』什麼？」
祝大家週末愉快，創作出屬於你自己的「當代」影像！
[Image Suggestion: 一張風格極簡、帶有冷面美學風格的街景照，或是由多張相似物件排列而成的拼貼圖，能呼應文中提到的論述]

一影像 / 寫真的一期一會 #一影像 #當代攝影 #攝影論述 #週末長文 #攝影美學

04/12/2025

#攝影小建議

💥 攝影師的良心話！你的照片總是不夠「專業」？😱 9個讓照片質感秒降的修圖/拍攝大忌！

👋 各位影像同好！你是不是也有這樣的困擾：花了一堆時間在 Lightroom 或 Snapseed 上修圖，結果照片看起來還是怪怪的？或者拍出來的照片，就是少了一點「哇！」的感覺？

別擔心！今天版主為大家整理了專家們**最常點出的九大地雷區**，從前期拍攝到後期修圖，一次幫你找出問題，讓你的攝影功力瞬間升級！💪

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📸 **【前期拍攝設定與構圖篇】**

1. **曝光是萬惡之源！💥**
> **錯誤：** 曝光不足！
> **專家建議：** 記得老話「沒有光就沒有色」。曝光不對，後期再怎麼調色都救不回來！確保你的照片**光線充足**，顏色才能飽滿展現。

2. **失焦和手震說掰掰！👋**
> **錯誤：** 忘記對焦，或快門太慢導致模糊！
> **專家建議：** 記得使用「**單點對焦**」精準鎖定主體。手持拍攝時，請務必遵守「**安全快門**」（通常為 $1/\text{焦距}$，至少別慢於 $1/50$ 秒），避免拍出「糊糊」的照片！

3. **照片太平淡，沒有重點！🤯**
> **錯誤：** 主體太小、放在正中間，或畫面只有單一景深。
> **專家建議：** 你的照片要有「故事」！確保畫面中有一個清晰的**主體**，並且加入**前景、中景、遠景**來創造層次感和立體感。構圖不再「死板板」！

4. **告別「自動模式」與「眼睛視角」！👀**
> **錯誤：** 永遠只用相機的 Auto 模式，或總是站著拍。
> **專家建議：** 試著切換到**光圈先決 (Av/A)** 或**手動模式 (M)**，開始掌控你的光圈、快門和 ISO。更重要的是，**換個角度**！蹲下、躺下、爬高，從不同視角才能賦予畫面生命力！

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# # # 🎨 **【後期處理常見陷阱篇】**

5. **飽和度「一鍵拉到底」！🌈**
> **錯誤：** 為了鮮豔，把整張照片的飽和度都拉高。
> **專家建議：** 全圖高飽和會讓照片看起來很「廉價」！試著只針對**一兩個重點顏色**增加飽和度，或使用「顏色分級」精細調整。想要**高級感**？反而可以試著降低主色的飽和度哦！

6. **對比度極端化！🌑**
> **錯誤：** 對比度過低 (灰濛濛) 或過高 (細節全丟)。
> **專家建議：** 對比度要適度！光線強烈時要**降低**，光線弱時可以**適當增加**，讓照片既有細節又不失立體感。

7. **過度銳化，細節失真！🔪**
> **錯誤：** 銳化參數拉太大，邊緣看起來生硬。
> **專家建議：** 與其狂拉銳化，不如使用**「刻畫」**的技巧（如加深陰影、增加亮部明度），用光影對比來**自然地**增強照片的立體感和清晰度！

8. **硬套濾鏡和預設風格！❌**
> **錯誤：** 覺得一個預設很好看，就套用到所有照片上。
> **專家建議：** 每個預設都有其適用性，它取決於你照片的**光線、天氣、顏色**等！理性看待預設，把它當作**節省基礎操作時間**的工具就好，不要指望它能變魔術！

9. **忽略細節與拒絕學習！📚**
> **錯誤：** 畫面有雜物、照片歪斜、蒙版痕跡明顯；或覺得自己夠強了，不再看教學。
> **專家建議：** **細節決定專業度！** 好的作品是經得起細看的。同時，攝影的道路上永遠有新的技巧和靈感，**持續學習**才能讓你的作品不斷進化！

**❓ 你最常犯的是哪一個錯誤呢？是手震？還是飽和度拉爆？**

快來留言區分享你的經驗和心得，一起進步吧！👇

\ #攝影技巧 \ #修圖教學 \ #攝影雷區 \ #新手攝影 \ #提升質感 \ #一影像粉絲團

02/12/2025

哈囉！我是「一影像」的版主。👋
這是一段台灣攝影史上非常重要，卻常被年輕一輩遺忘的「狂飆年代」。V-10 視覺藝術群不僅僅是一個攝影團體，他們更是台灣現代攝影與前衛藝術的拓荒者。

【攝影史話 🎞️】不只是拍照，這是一場視覺的起義：回望「V-10 視覺藝術群」
在那個濾鏡還沒發明、沙龍攝影（唯美風景、擺拍人像）統治台灣攝影圈的 1970 年代，有一群年輕人，他們覺得攝影不該只是「好山好水」，攝影應該要更狂、更真、更具實驗性。
於是，1971 年，「V-10 視覺藝術群」 誕生了。💥
這不僅是一個攝影團體，它是台灣攝影從「傳統沙龍」轉向「現代主義」與「前衛藝術」的關鍵分水嶺。
🧐 為什麼叫 V-10？ 「V」代表 Visual（視覺），「10」代表最初的十位成員。但這群人並不只是拿相機的人，成員中有畫家、設計師、甚至電視工作者。他們打破了類別的界線，深受西方普普藝術、超現實主義與存在主義的影響，試圖用鏡頭去質問社會、探索內心。
他們的作品在當時可以用「驚世駭俗」來形容：粗顆粒、高反差、荒謬的構圖、模糊的焦距。他們不追求照片的「美」，而是追求影像的「力」。

👥 台灣攝影的黃金陣容：V-10 成員全名單
這群人不只拍照，他們拍的是時代的痛點與靈魂。V-10 的成員並非固定不變，而是隨著展覽主題（如《生活》、《女》）不斷有新血加入，匯聚了當時最叛逆的視覺創作者。

✦ 1971年，「V-10 視覺藝術群」在台北「凌雲畫廊」投下了第一顆震撼彈：展出者有
* 胡　永｜發起人，以前衛的直覺與粗顆粒影像著稱。
* 張照堂｜精神領袖之一，以荒謬、虛無的現代主義視角影響深遠。
* 莊　靈｜將生活紀實轉化為充滿現代感的視覺詩篇。
* 郭英聲｜早期即展現冷冽、疏離且極具個人風格的影像語言。
* 龍思良｜橫跨繪畫與攝影，帶來獨特的藝術構圖。
* 凌明聲｜擅長實驗性技法，探索影像的抽象可能。
* 周棟國｜以穩健的攝影風格記錄當時的社會面貌。
* 張國雄｜早期的重要成員，共同奠定 V-10 的實驗精神。
* 葉政良
* 謝震基

✦ 1973年後・跨界與傳承（陸續加入/參展） 隨著《生活展》等後續活動，更多重量級人物加入了這場視覺運動，甚至影響了後來的《漢聲》雜誌與報導文學攝影：
* 黃永松｜《漢聲》雜誌創辦人之一，將攝影與本土文化深度結合。
* 林柏樑｜知名的紀實攝影家，以充滿人文溫度的鏡頭記錄台灣文學家與地景。
* 劉振祥｜雲門舞集御用攝影師，捕捉動態與劇場光影的大師。
* 張潭禮、謝震基、呂承祚、呂榮華... 等多位傑出創作者。

半個世紀過去了，當我們現在習慣用手機隨手拍下生活的荒謬時，其實某種程度上，我們都繼承了 V-10 的精神。
💬 如果是你，在那個保守的年代，你敢拍出不一樣的照片嗎？ 歡迎在留言區分享你最喜歡的台灣攝影前輩！👇
#一影像 #攝影史 #台灣攝影 #張照堂 #胡永 #前衛藝術 #經典回顧

01/12/2025

#活動推薦！

📚臺灣攝影家叢書 12/6 座談－－蔡明德 鏡頭探索人間📷🪄用影像燃起時代的火——

🔥「歲月換成了照片，影像書寫了人生。」聽 #蔡明德 如何深入人間，用鏡頭交會每個獨一無二的生命現場。
🔥 研究主編 #鍾宜杰 以報導攝影核心精神對話；看蔡明德的影像，也看見臺灣社會的歷史進程。
🔥 #范振國 重溫《人間》雜誌的共事時光，感受第一線的採訪與見證，以及追求真相的報導精神。

「蔡明德 鏡頭探索人間」座談
時間｜12月6日（六），14:00-16:00
主持｜鍾宜杰（研究主編）
講者｜蔡明德（傳主）、范振國（專文作者）
免費報名｜https://reurl.cc/1k0k5G

29/11/2025

【假日看影片專欄：運轉手與攝影師的雙重曝光——郭定原】

大家週末愉快，我是版主。

為了維持創作生活，藝術家願意付出什麼樣的代價？又或者，生活本身就是一場龐大的創作？

本週的《攝影故事》主角是攝影師——郭定原。在影片中，他分享了一段特別的生命歷程：受到極簡主義音樂大師 Philip Glass 與行為藝術家謝德慶的啟發，他決定給自己一年的時間，成為一名計程車司機。

在這段日子裡，他不只握著方向盤，也握著觀察世界的快門。郭定原在影片中提到一個很有趣的觀點：「計程車司機跟風景攝影師，他們相似的地方就是，這裡面帶有某種機運的成分。」

出門拍照，你不確定會遇見什麼樣的光影與天氣；開計程車出門，你永遠不知道下一位乘客會帶你去哪裡，又會帶來什麼樣的故事。

對他而言，後座的乘客就如同流動的風景。在那個狹小的車廂空間裡，他看見了父子、母女、朋友間最日常的互動。這些並非電影般轟轟烈烈的悲喜劇，而是人們為了生活努力活著的真實樣貌。這些微小而堅韌的情感，觸動了他過去十幾年拍攝空景時未曾體會的感動。

這項計畫最終將結合文字與他標誌性的《空寂》系列影像風格呈現。透過這支影片，讓我們一起看看這位「運轉手攝影師」，如何在城市的移動中，捕捉那些稍縱即逝的人間風景。

你也是為了支撐夢想而從事著另一份工作嗎？或者，你也曾在通勤的路上觀察過眾生百態？

歡迎在底下留言跟我們分享！👇

🎬 影片連結： https://youtu.be/i-1sX203phM

#一影像 #假日看影片 #郭定原 #攝影故事 #風景攝影 #計程車司機 #行為藝術 #創作與生活 #人物專訪

讀哲學系出身的郭定原，想要將哲學影像化，透過視覺更直接地表達各種關於人生的思考，從1997年開始便展開長期的影像探索之路，以心象風景攝影為主，經年累月都在各式自然地理環境踽行，將內在主觀、思維與風景作結合.....

27/11/2025

【 🧶 當快門遇上針線：影像被刺穿的瞬間，故事才正要開始 】

你是否覺得，照片拍下來的那一刻，回憶就「定格」了？ 但對這三位藝術家來說，照片沖洗出來，創作才剛剛開始。
他們用**刺繡（Embroidery）**介入影像，不只是為了裝飾，而是為了修補記憶、對話歷史，甚至是一種對影像的「溫柔破壞」。今天小編帶大家認識這三位國內外具代表性的藝術家！👇

🇹🇼 邱國峻 (Chiu Kuo-chun)：神界與人間的縫合線

說到台灣攝影與刺繡的跨界，絕對不能不提邱國峻老師的經典之作 《神遊之境》（Sanctuary）。
這系列作品相當特別，是他邀請台南國寶級刺繡師傅 林玉泉 共同合作的成果。邱國峻拍攝了台灣廟會中神偶與陣頭的場景，但他關注的不是熱鬧的慶典，而是那些如同夢遊般、人神交錯的瞬間。
📍 看點： 他利用刺繡在畫面上「加筆」，繡上了祥雲、龍鳳等吉祥圖騰。這些華麗的絲線，對比著背景中或許有些斑駁、或許有些空虛的現實場景，隱喻了人們將對未來的渴望與焦慮，投射在信仰之中。刺繡在這裡，是人們對美好生活的祈願補丁。

🇹🇼 侯怡亭 (Hou I-Ting)：在歷史的傷口上繡花

不同於邱國峻的民俗對話，侯怡亭 的作品則充滿了對歷史與性別的細膩凝視。在她的 《歷史刺繡人》 系列中，她蒐集了日治時期的舊照片（特別是女子學校的檔案照）。
📍 看點： 她親手在這些黑白老照片上進行刺繡，用鮮豔的線條覆蓋、纏繞照片中人物的身體或動作。這不只是視覺上的加工，更是一種**「跨時空的勞動」**。她透過刺繡這個傳統上被視為女性的勞動行為，去重新定義、甚至干擾照片中被規訓的身體。每一針，都是當代女性與歷史影像的對話。

🇺🇸 Diane Meyer：記憶的馬賽克

來自美國的藝術家 Diane Meyer，則是用刺繡來模擬「數位雜訊」。在著名的 《柏林》（Berlin） 系列中，她沿著柏林圍牆的舊址拍攝風景。
📍 看點： 她在照片中圍牆曾經矗立的位置，縫上了厚厚的十字繡（Cross-stitch）。這些十字繡看起來就像是數位照片放大後的**「馬賽克格放」**。 她用這種手法模糊了風景，象徵著歷史傷痕雖然肉眼看不見了，但記憶的阻隔依然存在；同時也探討了我們的記憶如同數位檔案一樣，是會隨時間損毀、模糊的。

💡 小編觀點

攝影是「減法」，從世界中框取畫面； 刺繡是「加法」，在畫面上堆疊時間。
這三位藝術家讓我們看到，當**「瞬間的快門」遇上「緩慢的針線」**，影像不再只是平面的紙張，而變成了有厚度、有溫度的記憶載體。
💬 如果是你，你會想在自己的哪一張照片上繡上圖案？是為了記住，還是為了遮蓋？ 歡迎在底下留言跟我們分享！
#攝影藝術 #當代藝術 #邱國峻 #神遊之境 #侯怡亭 #刺繡攝影 #一影像 #影像閱讀

24/11/2025

【一影像專欄】自拍，不只是按下快門：5位以「身體」為戰場的亞洲女性攝影師
大家好，我是版主。📸
在這個人人都有照相手機、隨手就能自拍（Selfie）的年代，我們習慣用美肌濾鏡來修飾自己。但對於女性藝術家來說，「自拍」往往不只是為了漂亮，更是一種對抗、一種質問，甚至是一場視覺的實驗。
今天版主整理了五位具代表性的亞洲女性攝影師，她們將鏡頭轉向自己，用截然不同的方式演繹「自我」。其中特別介紹兩位不同世代的台灣女性創作者，她們的作品在視覺與概念上都極具張力！✨

1. 日本｜吉田喜美子 (Kimiko Yoshida)：消失在色彩中的新娘

吉田喜美子出生於東京，旅居法國。她最著名的《單身新娘》（The Bachelor Brides）系列，不僅是自拍，更像是一場華麗的「失蹤」。
她穿著各國傳統服飾或前衛裝扮，將皮膚塗成與背景完全相同的顏色。她曾說：「自畫像並不是一種身份的確認，而是一種消失的藝術。」她透過極致的單色系裝扮，讓「自我」消融在色彩之中，打破了人們對女性樣貌的既定認知。

2. 台灣｜郭品君 (Kuo Pin-Chun)：獻給世界末日的拍立得日記

第一位台灣代表，是發起瘋狂攝影計畫的郭品君。
從 2012 年傳說中的「世界末日」那一天開始，她決定每天都要拍一張拍立得自拍，直到她死亡或世界真的毀滅為止。最有趣的是，她通常會將相機交給路人或朋友，自己則像個標本般站在畫面中央，記錄下當天最真實的樣子。
這些數以千計的拍立得照片，記錄了她在台灣街頭、房間、各個角落的身影。她利用拍立得影像會隨時間褪色的特性，隱喻生命的消逝與記憶的脆弱。這是一份用肉身寫下的視覺日記，既私密又充滿了行為藝術的堅持。

3. 日本｜宮崎泉 (Izumi Miyazaki)：腦洞大開的無表情少女

這位來自日本的年輕攝影師，早早就紅遍全球社群！宮崎泉的作品充滿了「怪誕」與「幽默」。
她總是留著招牌的學生頭，面無表情（Deadpan）地出現在各種不可思議的場景中：腦袋變成了飯糰、身體被切片、或是漂浮在空中。她的自拍打破了日本傳統對「卡哇伊」的甜美定義，用一種冷幽默的方式，嘲諷了孤獨感與網路世代的荒謬。

4. 台灣｜汪曉青 (Annie Wang)：這張照片拍了20年

第二位台灣代表，是早在2001年就開始拍攝《母親如同創造者》（The Mother as a Creator）系列的汪曉青。這是一組關於「時間」與「身分」的震撼之作。
從懷孕開始，她每年都會和兒子拍一張合照。最特別的是，每一年的照片背景，都是「前一年的那張合照」。這形成了如同俄羅斯娃娃般的「畫中畫」結構。透過這長達20年的接力自拍，她控訴了社會常認為「成為母親就等於犧牲藝術家生涯」的偏見，證明了女性可以同時是母親，也是創造者。

5. 中國/美國｜廖逸君 (Pixy Liao)：主導權的溫柔翻轉

最後一位是長期旅居紐約的攝影師廖逸君。她的長期項目《實驗性關係》（Experimental Relationship）紀錄了她與小她五歲的日本男友 Moro 的生活。
照片中，往往是她展現出強勢、主導的姿態，而男友則呈現出一種柔軟、被動的狀態。她幽默地挑戰了傳統亞洲社會中「男強女弱」的性別刻板印象。透過自拍，她重新定義了伴侶之間的權力關係，既挑釁又充滿愛意。

版主結語：
這五位攝影師告訴我們，鏡頭前的自己，可以是虛構的、可以是褪色的、也可以是隨著時間老去的。自拍，是女性奪回身體詮釋權的戰場。
從郭品君那種「直到世界末日」的堅持，到汪曉青橫跨20年的紀錄，這兩位台灣攝影師的作品，是不是讓你對自拍有了不一樣的想法呢？歡迎在下方留言跟版主分享！👇

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22/11/2025

【假日看影片專欄：在觀景窗後的寧靜獨白——林予晞】

大家週末好，我是版主。

這週想分享的這支影片，主角是大家熟悉的演員，也是一位充滿靈魂的攝影師——林予晞 Allison Lin。

很多時候，我們認識的她是螢幕前閃耀的角色，但在這段訪談中，我們看見的是一位透過相機與自我對話的創作者。

予晞在影片中提到了一個我很喜歡的比喻：「看觀景窗的時候，我都覺得世界變得很安靜，就很像你游泳潛下去的時候...這份安靜對我來講很重要，因為在那時候你有辦法聽自己講話。」

從原本想當畫家，到在異鄉留學時拿起相機排遣孤獨，攝影對她而言，不僅僅是影像的紀錄，更是一種「時空膠囊」。她偏愛底片、迷戀齒孔（Sprocket holes）的生猛有力，甚至喜歡那些看似不完美、髒髒舊舊卻充滿「生命力」的畫面——例如香港旺角的街頭。

對她來說，器材沒有絕對的好壞，就像人際相處一樣，重點在於是否合拍。她手中的 Lomo Sprocket Rocket，讓她能夠跳過繁瑣的後製，直接追求影像的「本質」。

攝影與表演，一靜一動。攝影成為了她逃離他人審視、回歸自我的出口，也成為平衡高壓工作的哲學嗜好。

你也把攝影當作與自己對話的時間嗎？或者，你也有一台跟你特別「合拍」的相機呢？

趁著假日，一起來聽聽予晞的攝影故事吧！👇

🎬 影片連結： https://youtu.be/Lhxm0el5mD8

#一影像 #假日看影片 #林予晞 #攝影故事 #追求本質 #底片攝影 #攝影哲學 #人物專訪

身為藝人、表演者的林予晞，也是一名攝影創作者，曾舉辦過《時區檔案》攝影展，並出版攝影集《時差意識》。來到數位時代，林予晞堅持底片創作，主要是她喜歡畫面裡具備在場、原始且生猛有力的真實感。19歲孤自赴美就....

20/11/2025

今天的「攝影大師專欄」，我們不談昂貴的器材，要來聊聊 「視角」。

當我們談論街頭攝影（Street Photography）時，腦中往往先浮現歐美的經典大師，如 Cartier-Bresson 或 Robert Frank。但其實，亞洲的攝影師們早已用獨特的文化底蘊、含蓄或狂野的東方美學，在世界攝影史上刻下了深深的烙印。

版主特別整理了 5位必知的亞洲街拍大師，他們的風格迥異，從極致的光影到粗顆粒的黑白，絕對能給拿起相機的你帶來全新的啟發！📸

🌏 穿透日常的東方之眼：5位經典亞洲街拍攝影師
1. 香港：何藩 (Fan Ho) —— 東方的布列松
風格關鍵字：光影、幾何、戲劇性、老香港

如果說有一種攝影是將光線玩弄於股掌之間，那就是何藩。他利用強烈的逆光、煙霧和幾何構圖，將 50、60 年代的香港街頭拍得如同電影場景一般。他不僅是在記錄，更是在「導演」街頭。他的作品告訴我們：耐心等待那一道光，平凡的市井也能變成舞台。

「你必須要有耐心，等待最佳的時刻出現。」

2. 日本：森山大道 (Daido Moriyama) —— 街頭的野犬
風格關鍵字：粗顆粒、高反差、晃動、慾望

與何藩的唯美截然不同，森山大道的照片是粗糙的、模糊的、甚至暈眩的（Are-Bure-Boke）。他像一隻不知疲倦的野犬，遊蕩在新宿的後巷，用直覺按下快門。他的照片不追求「美」，而是追求「真實的觸感」和都市背後的慾望。這啟發了無數攝影師：不要想太多，拍就對了！

「攝影不是藝術，攝影只是拷貝。」

3. 台灣：張照堂 (Chang Chao-Tang) —— 存在的荒謬與蒼涼
風格關鍵字：超現實、無頭、壓抑、幽默

作為台灣現代攝影的先驅，張照堂老師的街拍不只是紀錄，更是一種心理狀態的投射。他著名的「無頭」系列或是在日常中捕捉到的荒謬瞬間，展現了在戒嚴時期下的壓抑與對生命的提問。他的視角教導我們：在最熟悉的日常裡，尋找那些「不尋常」的瞬間。

「攝影是遺憾的藝術。」

4. 日本：須田一政 (Issei Suda) —— 異界的日常
風格關鍵字：6x6方構圖、民俗、詭譎、凝視

須田一政的作品有一種魔力，看久了會讓人背脊發涼卻又移不開視線。他擅長在極其普通的日本祭典或街角，捕捉到人與物那一瞬間的「怪誕」表情。透過他的 6x6 方形觀景窗，現實世界彷彿裂開了一道縫隙，露出了潛藏的靈魂。

「攝影就是將日常變為『非日常』的過程。」

5. 印度：拉古比爾·辛格 (Raghubir Singh) —— 擁抱色彩的先驅
風格關鍵字：色彩、層次、混亂中的秩序、印度

在黑白攝影被視為藝術正統的年代，辛格堅持使用彩色底片。他認為印度的本質就是色彩，黑白無法呈現他家鄉的生命力。他的照片構圖極其複雜，前景、中景、背景塞滿了人物與訊息，卻又亂中有序。他教會我們：不要害怕畫面的混亂，那是生命的豐盛。

「色彩不是只有裝飾性，色彩是印度生活的一部分。」

💭 版主碎碎念
看完這五位大師，你會發現街頭攝影沒有標準答案。 它可以是何藩式的**「減法」（極簡光影），也可以是辛格式的「加法」（豐富色彩）；可以是森山大道的「直覺」，也可以是張照堂的「哲思」**。

你最喜歡哪一位大師的風格呢？還是你心中有其他的亞洲街拍大神（例如中平卓馬、深瀨昌久...）？

👇 歡迎在留言處貼上一張你最近滿意的街拍作品，讓我們一起交流！

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