Rulay Magazine

12/09/2024

Cuestionando el valor dogmático atribuido a la historiografía oficialista, José Morbán crea su más reciente colección, Orgullo Nacional, en la que juega con la materialidad y desarticula los conceptos y mitos del relato nacionalista para ofrecer otro foco sobre los imaginarios de la dominicanidad construidos desde el poder.

La exposición resulta de un proceso de investigación en el que Morban, acompañado por la curaduría de Laura Castro, examina eventos y lugares históricos, así como la retorica que los enmarca, develando cómo el miedo al otrx es parte del legado patriótico de las narrativas hegemónicas sobre la identidad nacional. Así, la serie de pinturas de garitas militares evidencian un Estado cuyo modo centinela se agudiza en dirección hacia el oeste, como monolitos en el paisaje que anuncian una amenaza y la vigilancia como protección. La hipérbole de esta retórica, capturada también en pintura, se concentra en la frontera, marcada por la iconografía fálica que distingue el territorio dominicano, geográfico y simbólico, del lado haitiano.

Los dispositivos discursivos del trujillato y los que reproducen sus fundamentos, crean la ficción de un Estado que protege los intereses nacionales, cuando en la práctica el aparato estatal funcionó como medio para el saqueo y el enriquecimiento de particulares. Recurriendo a distintos medios y materiales, Morbán expone con creatividad estas contradicciones. La reproducción en dibujo de imágenes alusivas a la CORDE (Corporación de Empresas Estatales) nos indican al servicio de quienes se ha dispuesto el Estado. La violencia y afán de lucro con base en la explotación también son señaladas con la escultura de cáscara de caña de azúcar, así como las obras de tejido de yute que referencian la plantación de sisal instaurada por el régimen en Azua, que fue, además, campo de tortura.

A través de su arte, Morbán nos invita a leer entre líneas y a seguir otras señas para la construcción de una historia fuera de los márgenes del poder.

📸 🖤

20/08/2024

Creando desde la introspección, sus piezas son signos visuales que constituyen su lenguaje emocional y las marcas que comparte como posibilidad de lugar común con otrxs. Eilen Itzel Mena .itzel.mena es artista y escritora Afro-Dominicana Americana nacida en el Bronx, NY, enfocada en los procesos de subjetivación y transformación desatados al avocarnos hacia la comprensión de la comunidad, ascendencia, propósito y la conexión que existe entre el yo de la niñez y la adultez
Mena, residente en Londres, es una creadora multidisciplinaria de la pintura, el dibujo, impresiones, escultura, instalaciones y el performance. Se licenció en Bellas Artes en 2017 en la USC Roski School of Art & Design (California) y en 2024 logró el Máster en pintura en la UCL Slade School of Fine Art (Londres). Su trabajo ha sido expuesto a nivel internacional y reconocido con diversas becas y premios, siendo el más reciente el Adrian Carruthers Studio Prize (2024/2025), otorgado por la organización ACME.
En “A Burial, A Planting, A Place to Follow the Snail’s Trail”, mediante pinturas, esculturas e instalación, Mena nos da un recorrido íntimo en su propio camino como artista y ser humano, contando sobre transiciones por el pesar y la búsqueda de alegría. La alegoría del sendero del caracol está presente en toda la obra, su desplazamiento, de apariencia errante, se reivindica como intencional, firme y cimentado. Además del valor metafórico, los caracoles cuentan del trayecto de Mena en la espiritualidad Yoruba y su vínculo con el Orisha Obatalá.
Mena recurre a materiales como la tierra, el barro y el yute, invitando al retorno y la conexión con la naturaleza. Las paredes pintadas de arcilla ofrecen una calidez que se combina con los colores vibrantes en las pinturas, cargadas de expresividad y trazos crudos para una composición que juega entre lo abstracto y lo figurativo. Una invitación a transitar con paciencia y amabilidad las emociones fuertes y contrapuestas que nos acompañan como seres vulnerables y resilientes.

10/08/2024

Más allá de imágenes fijas premeditadas, su obra comunica sobre la acción, poniendo el foco en el registro del movimiento. Alma Peguero, .peguero es una artista visual y del performance que crea a partir de conjugar lo estructurado y lo gestual, mediante métodos en los que pueden interactuar las herramientas y conceptos de la geometría, con los trazos imprecisos del movimiento corporal.

Peguero, de nacionalidad dominicana, estudió la licenciatura en Artes Visuales de la Escuela de Diseño Parsons de Nueva York (2009), tiene una Maestría en Práctica de Estudio de la Universidad de Buffalo (2020), y un título de Asociado en Bellas Artes de la Escuela de Diseño de Chavón (2007). Su trabajo creativo refleja en gran medida la conexión con el cuerpo y la noción de presencia que experimenta a través de la práctica y enseñanza del yoga.

Su exhibición “Todo lo salvaje tiene una estructura” nos presenta el resultado gráfico de la frontera entre fluir y seguir parámetros, creando patrones a partir de repetir la acción corporal: los trazos reflejan el movimiento que intenta replicarse en el espacio, pero se encuentran llenos de singularidad por lo variable de la velocidad, fuerza, presión, extensión y de otros factores que inciden en el desplazamiento. Como en el yoga, su método llama a estar presente, a la conciencia del ser, el espacio y la acción.

Sin perseguir uniformidad, la artista logra un conjunto de obras abstractas que transmiten armonía y ritmo. Estas piezas también son resultado de la intersección entre la práctica performativa y el dibujo.

06/08/2024

Miguel Ángel Santos Martínez, ( ) de 23 años, es un artista dominicano nacido en Nueva York que desde temprana edad navega entre múltiples disciplinas del arte, guiado por la intuición, los fundamentos de su crianza liberal, su conexión con la ciudad de Santo Domingo y la pasión por crear.

Santos inicia contacto formal con las artes desde niño, exponiéndose en su trayecto a la danza clásica, la pintura, el canto, a instrumentos como piano y batería, al teatro, la actuación, entre otros. En 2023, egresó de Diseño de Modas de la Escuela de Diseño Chavón-SDQ y actualmente impulsa su primer proyecto en la industria textil llamado RE4LMIKE. Sus diseños se inspiran en el deconstructivismo y su práctica toma como base los principios del modelo de producción circular o de vida cíclica, contribuyendo a repensar la moda desde la reflexión en torno al origen de los materiales, los sujetos involucrados, las condiciones de fabricación, la generación y destino de los residuos.

Las piezas que componen RE4LMIKE también muestran una estética que nace de la mirada singular del artista, conjugando diversas texturas y estampados, ensamblando partes asimétricas o agregando detalles que quizás son guiños referenciales a vivencias, gustos o deseos. El denim abunda en su colección, así como el estilo de los pantalones cargo y el estampado de camuflaje. Esta variabilidad la otorga su principal fuente de materia prima: la paca.

El trabajo creativo de Santos se nutre de su capacidad como observador, la búsqueda de lo funcional y único a partir de reinventar lo tradicional, y el lugar que otorga a su identidad caribeña. La cultura local, no solo está presente en sus diseños, esta es relevada con un estilo propio que la actualiza.

27/07/2024

El interés por profundizar sobre la incidencia de las tecnologías de la comunicación y la conectividad en la organización de la vida, concretamente en las prácticas artísticas, es lo que mueve su trabajo creativo. Gibran Mendoza (1992), es un artista multidisciplinario mexicano, ubicado en la ciudad de Oaxaca de Juárez, quien se desempeña como codirector de Yope Project Space, plataforma física/virtual para la producción, exhibición y difusión del arte contemporáneo en Oaxaca.

Mendoza inició su formación como artista en el taller de artes plásticas Rufino Tamayo, para luego continuar con la licenciatura en artes plásticas y visuales en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca. Su práctica artística actual se centra en analizar e investigar el impacto del internet, los dispositivos portátiles de reproducción de imágenes, los medios masivos de comunicación y los videojuegos en la forma de percibir, conectarse y relacionarse con las prácticas artísticas propias de su región geográfica enfocándose en el punto intermedio entre medios digitales y análogos de producción.

Sus obras han sido presentadas en distintas exposiciones a nivel nacional e internacional, incluyendo el solo show “Panasonic Q” en Galería Ciudad de México (2020), así como diversas exhibiciones colectivas, entre ellas: Biquini Wax CDMX (2019); Neotortilleria /Guanajuato (2020); Galería Nueva /Madrid (2020); Kurimanzutto/CDMX (2021); Visa projects/NewYork (2022); Espacio FAMA/ Monterrey (2022); Aparador L.A/ Los Ángeles (2023); Think space x Tlaloc studios/ Los Ángeles (2023); John Doe Gallery/ Los Angeles (2024); Museo Universitario del Chopo/ CDMX(2024).

Como parte del equipo de Yope Project Space, se enfoca en impulsar propuestas innovadoras, anticanónicas, de artistas jóvenes que exploran diversos medios, aportando una mirada actualizada del arte oaxaqueño.

12/07/2024

La estética de contrastes es el sello distintivo con el que provoca reflexiones sobre la coexistencia de la sensibilidad y la crudeza. María Camila Moreno, aka , es una artista multidisciplinaria, tatuadora e ilustradora que se mueve entre lienzos de tela, papel y piel para plasmar historias que reflejan su origen y contexto en entornos urbano-marginales de Bogotá, Colombia.

Moreno es una artista plástica y visual que acude al dibujo, el tatuaje y la fotografía para mostrar las tensiones de la cotidianidad de una ciudad con marcas de violencia que no logran anular la ternura: conjuga en sus obras personajes caricaturescos que radian suavidad e inocencia, a la par que se presentan armados y con indumentaria evocadora de erotismo.

Su trabajo también explora los sentidos de elementos simbólicos en la cultura urbano-marginal de Bogotá, en la cual las prendas con logos de equipos norteamericanos de deporte y los personajes de cadenas televisivas como Disney y Warner Bros son una referencia a la meta alcanzada de establecerse con éxito en esas tierras del norte, por medios legales y ilegales. Con el proyecto de fotografía “Mirar y ser visto”, la artista indaga cómo en el barrio estas pertenencias son capaces de dotar de estatus a quienes las poseen y adquieren valor como objetos de colección, rastreables en lugares específicos de la ciudad o en grupos privados de redes sociales.

“El sueño de nosotros los pobres” es su proyecto más reciente. En este hace un símil visual con los tatuajes temporales de aerógrafo que se ofrecen en las playas de Colombia, plasmando sus diseños en ropas de baño e indumentaria de playa, aludiendo al sueño común en personas de estrato medio/bajo provenientes del centro del país que ansían conocer el mar. Una aspiración que con frecuencia se torna lejana.

El trabajo creativo de Moreno, versátil, original y conectado con el mundo de hoy, la ha convertido en una figura influyente en la comunidad artística y del tatuaje en su ciudad.

10/05/2024

La combinación de lo figurativo y lo abstracto, el uso de imágenes asociadas a la estética caribeña, así como la centralidad del cuerpo femenino en sus pinturas, dotan el arte de Mónica Hernández de un aura enigmática y a la vez familiar, provocando en quien especta la curiosidad punzante por dialogar con su narrativa visual.

Mónica Hernández nació en Santiago, República Dominicana (1995) y, junto a su familia, se radicó en Nueva York desde temprana edad. Estudió Bellas Artes en Hunter College (2017) y ha logrado exhibir sus obras en galerías como Abigail Ogilvy Gallery (California, 2024), Library Street Collective (Michigan, 2023), Jenkins Johnson Projects (Brooklyn, 2021), Ramp Gallery (Londres, 2019), entre otras.

Los temas centrales que toca en su trabajo son sexualidad, género, representación e identidad, abordados desde una perspectiva auténtica que resalta el lugar de las mujeres y personas qu**rs negras, creando relatos en los cuales estas identidades son protagónicas.

La pintura de Hernández es, en cierta medida, autobiográfica. No solo por las memorias y la luz cálida que recupera del paisaje caribeño, también recurre a su propia imagen para dar rostro y cuerpo a los personajes en su obra, como parte de un ejercicio de introspección sobre la experiencia de otredad, de hacerse consciente de sí misma al reconocerse diferente de quienes le rodean.
Sus piezas contienen múltiples capas, recrean interiores domésticos que se perciben fragmentados por la superposición de formas, colores y patrones. Se avistan fachadas de casas típicas de la ruralidad caribeña, de la costa o de un patio que evoca a su país natal. Con frecuencia, el espacio es habitado por un cuerpo femenino no blanco, de dimensiones agrandadas respecto al lugar que lo contiene, cuya mirada, postura o estado de desnudez siembran la certeza de una intención. La obra de Hernández interpela con agudeza a quien observa, una invitación al diálogo íntimo sobre vulnerabilidad y poder.

29/04/2024

Con destreza y originalidad, Sydnie Jiménez .viciouss (Florida, EE.UU., 1997) actualiza el arte de la escultura en cerámica desde la perspectiva de una mujer joven que habita la sociedad de hoy como latina birracial en Estados Unidos, en un contexto en que lo blanco es aún referente hegemónico.
La artista, egresada de la carrera de Bellas Artes del School of the Art Institute de Chicago (2020), estampa el arte de la cerámica con innovación estética, creando figuras de jóvenes negras o de origen mixto, con estilo único y mucha personalidad, resaltando la agencia y la identidad individual, sin dejar de trazar la pertenencia a la comunidad.

Jiménez esculpe sus obras en distintos tamaños, las impregna de detalles y de una belleza que desafía los cánones coloniales. Las figuras de tamaño real, dotadas de expresiones desafiantes, de tedio, dureza o alegría, marcan el espacio con la presencia disruptiva de una identidad joven que no busca aprobación ni ser complaciente. Por el contrario, confrontan una sociedad en muchas formas hostil hacia la diversidad y lo no blanco. La apuesta por piezas de grandes dimensiones es también un recurso para conectar con el público, el cual se reconoce en las obras e identifica con facilidad rasgos, estilo o emociones que les representan.

Así como los artefactos en cerámica dentro de múltiples civilizaciones y comunidades han adquirido valor histórico, Jiménez es intencional creando mediante su arte figurativo archivos en cerámica sobre la cultura y estética de juventudes de color en el siglo XXI. La práctica de la escultura dentro de la civilización mesoamericana ha sido una de sus fuentes de inspiración.

El trabajo de Jiménez ha sido expuesto en galerías como-Benda (Los Ángeles, EE.UU.), Moosey Gallery (Reino Unido) y una exposición individual en Mindy Solomon Gallery (Miami). Actualmente, es artista residente en el Lillstreet Art Center de Chicago.

25/04/2024

Johan Samboni es un artista del oriente de Cali, Columbia cuyo trabajo está atravesado por realidades sociales que hacen parte de su entorno inmediato, centrándose en reflexiones y cuestionamientos sobre la representación de la marginalidad y las identidades que la habitan. Recientemente realizó su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Medellín. Ha participado de exposiciones colectivas en espacios como el Museo La Tertulia de Cali, la Galería Santa Fe y Espacio Odeón en Bogotá; el Museo Rayo en Roldanillo y el Museo de Antioquia en Medellín. Ha sido merecedor de diferentes reconocimientos como el premio programa C arte digital, Reconocimiento Nacional XVII Salones Regionales de Artistas del Ministerio de Cultura, y Premio Artecámara en alianza con El Tiempo, ArtBo 2019. Su obra hace parte de las colecciones del Banco de la República. , el Museo La Tertulia y el Museo Rayo.

05/04/2024

30/03/2024

Muchas gracias a todas las personas que hicieron de esta su fiesta e inundaron el espacio de flow, perreo y la mejor de las energías.
A lxs cantantes y DJs que ambientaron la noche y nos pusieron a vibrar con su música.
A lxs artistas de Junta de Vecinxs que con su trabajo creativo abren diálogos que nos convocan como comunidad y reivindican nuestros sentires.
A Local Colonial y a todo el equipo del evento por la confianza y el empeño.
Nos gozamos esta celebración del arte y el sentido de comunidad en el Caribe. Esperamos junto a ustedes seguir construyendo y disfrutando de lo que nos apasiona: el arte y lo colectivo.
GANÓ EL ARTE