CamiloPsico

22/08/2024

No es una fotografía

Es una pintura de Dorota Piotrowiak | Polonia.

Pintora, escultura y diseñadora gráfica.
Conocida por sus impresionantes retratos de mujeres, y por sus esculturas de papel de tamaño natural de plantas y animales, Dorota es una artista galardonada con obras en importantes colecciones privadas y museos de todo el mundo.

22/08/2024

Obras maestras que inspiraron escenas

¿Cuáles conoces?

21/08/2024

Edgar Allan Poe, el maestro del misterio y la oscuridad, vivió una vida tan trágica como los cuentos que escribió. Nacido en Boston en 1809, su vida estuvo marcada desde el principio por la tragedia. Huérfano a los tres años, fue separado de sus hermanos y adoptado por una familia de Virginia que nunca lo aceptó plenamente. Aunque recibió una buena educación, la relación con su padrastro, John Allan, se deterioró, y Poe quedó atrapado entre el deseo de amor y el rechazo constante.

El infortunio persiguió a Poe como una sombra. A lo largo de su vida, luchó con la pobreza, la adicción y la soledad. Su matrimonio con su prima Virginia, de tan solo 13 años, fue una pequeña luz en su existencia, pero esa felicidad también fue efímera. Virginia cayó gravemente enferma de tuberculosis, y durante años, Poe la vio desvanecerse lentamente, atrapado en un ciclo de desesperación. La muerte de Virginia en 1847 lo sumió aún más en la oscuridad, llevándolo al borde de la locura.

Poe, en su búsqueda por escapar de su tormento interno, escribió algunas de las obras más perturbadoras de la literatura, desde *El cuervo* hasta *El corazón delator*. A pesar de su genio, fue subestimado en su tiempo, y su vida terminó como una de sus macabras historias. En 1849, fue encontrado vagando delirante por las calles de Baltimore, sin explicación alguna de cómo había llegado allí. Murió días después en circunstancias misteriosas, dejándonos un legado impregnado de misterio y dolor, y convirtiéndose en una figura trágica y enigmática, como los personajes que él mismo creó.

21/08/2024

El cuadro “Transportadores de agua” de Víctor Jacques captura una escena de la vida cotidiana con una sensibilidad social y estética propia de su estilo. En la obra, varios personajes, hombres y mujeres, son representados transportando agua, una actividad común en muchas comunidades rurales o en desarrollo.

La composición de la pintura está dominada por figuras humanas que llevan grandes recipientes de agua, ya sea sobre la cabeza o en sus manos. Estas figuras están organizadas en un paisaje rural, que probablemente sea un reflejo de la vida en regiones con escasez de agua potable y donde la tarea de transportarla es esencial para la supervivencia diaria. El cuadro enfatiza el esfuerzo físico y la rutina de estas personas, destacando la importancia de un recurso tan básico como el agua.

Además de ser un reflejo de la vida rural, “Transportadores de agua” también puede interpretarse como una metáfora de la lucha por los recursos naturales y la interdependencia entre el ser humano y su entorno. A través de este cuadro, Víctor Jacques parece querer destacar la nobleza del trabajo cotidiano y la resiliencia de las personas frente a las dificultades.

Obra completa en los comentarios.

21/08/2024

¿Sabías que La última cena de Leonardo da Vinci , una de las obras más icónicas de la historia del arte, tuvo una copia?

Esta obra fue desconocida por muchos años. Hecha por el estudio del artista pocos años después de la original, que se pintó en 1499. Es una copia hecha sobre lienzo que nos ofrece una visión de cómo era esta pintura en su concepción original , antes de que la pátina del tiempo se posase sobre el fresco mural.

Los siglos no han sido amables con la obra original maestra: se estima que solo el 20 por ciento de la pintura original permanece intacta , lo que hace difícil comprender por completo la impresión que generaba esta obra en su tiempo. Sin embargo, esta copia sí nos ofrece una percepción más exacta de lo que Leonardo pintó en el XV.

los investigadores se sorprendieron al descubrir lo bien que se veía aquella versión de la obra. Las figuras estaban perfectamente alineadas, por lo que es probable que se pintó utilizando los mismos cartones del original. De hecho, a lo largo del estudio se muestra cómo el trabajo sobre lienzo está llenos de los «huecos» en el famoso fresco

¿Pero por qué se hizo aquella copia? La respuesta la encontramos, probablemente, en el capricho de un rey: Luis XII de Francia, que conocio el fresco original de «La última cena» después de conquistar Milán. El monarca se quedó prendado por la maestría de Leonardo y deseaba llevarse la pintura a Francia, aunque el hecho de que fuera un fresco pronto frustró ese deseo. Así, decidió que quería una réplica del cuadro. « Necesitamos a Leonardo da Vinci », escribió en una carta de 1507, una fecha en la que parece que se realizó el encargo.

Se cree que el principal responsable de la copia fue Andrea Solario, uno de los mejores discípulos de Leonardo. Sin embargo, hay teorías que le atribuyen la copia al propio Da Vinci, basándose en la ausencia de trazos de boceto.

Los espero en Inst@ ya que algunas obras son censurad@s por faceb0k

21/08/2024

Katherine G. Johnson (1918-2020) fue una matemática y física afroamericana cuya labor fue crucial para el éxito de las misiones espaciales de la NASA durante las décadas de 1960 y 1970. Nacida en una época marcada por la segregación racial y de género, Johnson desafió las barreras sociales y se destacó por su intelecto y habilidades matemáticas excepcionales.

Katherine Johnson es conocida principalmente por sus cálculos precisos de trayectorias orbitales que permitieron el primer vuelo espacial tripulado de Estados Unidos en 1961, cuando Alan Shepard se convirtió en el primer estadounidense en viajar al espacio. Su trabajo fue esencial nuevamente en 1962, durante la misión de John Glenn, el primer estadounidense en orbitar la Tierra. Glenn solicitó personalmente que Johnson revisara las cifras antes del lanzamiento, confiando en su destreza por encima de las computadoras electrónicas de la época.

Además de su contribución al programa Mercury, Johnson jugó un papel fundamental en las misiones Apolo, incluido el histórico aterrizaje lunar de 1969. Su trabajo también abarcó el desarrollo del transbordador espacial y la planificación de misiones a Marte.

A pesar de trabajar en un entorno dominado por hombres blancos, Johnson se destacó no solo por su brillantez técnica, sino también por su valentía y determinación para superar las barreras de género y raza. Su historia fue popularizada por el libro y la película *Hidden Figures* (2016), que destaca el trabajo de Johnson y otras mujeres afroamericanas que hicieron contribuciones vitales a la NASA.

En reconocimiento a sus logros, Katherine Johnson recibió numerosos honores, incluyendo la Medalla Presidencial de la Libertad en 2015, otorgada por el presidente Barack Obama. Su legado perdura como símbolo de excelencia en la ciencia y como pionera en la lucha por la igualdad de derechos en los campos de la ciencia y la ingeniería.

21/08/2024

21/08/2024

Ojito 👀👇🏽

20/08/2024

Una de las mejores obras de Marcos Beccari, quien tiene un gran dominio de técnica y una habilidad para representar el movimiento del agua, sin dejar de lado el realismo de sus personajes. Pero lo que más llama la atención es que realiza estas pinturas con la técnica de la acuarela.

Comenta tu valiosa apreciación

20/08/2024

El rostro de la joven, visto de perfil, es de una delicadeza etérea. Su piel es suave, casi translúcida, con un tono marfil que resalta su juventud e inocencia. Los contornos de su rostro están definidos con una suavidad exquisita, sin líneas duras, lo que da una sensación de armonía y serenidad. Su frente es alta y despejada, lo que enfatiza su pureza y serenidad.

Los rasgos faciales de la joven son simétricos y proporcionados. Su nariz es fina y recta, mientras que sus labios, cerrados y ligeramente curvados hacia arriba, sugieren una expresión tranquila y contemplativa. Las mejillas tienen un leve rubor que añade calidez a su expresión. Su cabello, recogido elegantemente hacia atrás, deja al descubierto la forma grácil de su cuello, añadiendo una sensación de elegancia y dignidad.

Bouguereau presta especial atención a los detalles minuciosos, como la textura del cabello y la piel, logrando un realismo casi fotográfico. La luz suave que ilumina el rostro de la joven resalta la tridimensionalidad de su figura, creando un contraste delicado entre la luz y la sombra, lo que otorga profundidad y volumen a la pintura.

La serenidad y la perfección idealizada del rostro de la joven hacen de esta obra una representación icónica de la belleza clásica, reflejando la combinación de técnica impecable y sensibilidad emocional que define el estilo de Bouguereau.

“Una joven de perfil” de William-Adolphe Bouguereau es un retrato que captura la sublime belleza clásica que caracterizó la obra del artista francés del siglo XIX. En esta pintura, Bouguereau muestra su maestría en el realismo y su habilidad para representar la figura humana con precisión anatómica y una sensibilidad estética que roza lo idealizado.

< Faceb0k censur4 algunas obras, así que las puedes ver completas en n Inst4gran>

20/08/2024

"O mio babbino caro" es una famosa aria de la ópera Gianni Schicchi de Giacomo Puccini, compuesta en 1918. Es una obra lírica breve pero intensa, interpretada por el personaje de Lauretta, una joven que expresa su amor por Rinuccio y suplica a su padre que le permita casarse con él.

La melodía es lírica, conmovedora y llena de emotividad, capturando la inocencia y la sinceridad de Lauretta. La línea melódica es suave y fluida, con un tono casi pastoral que se eleva hacia un clímax apasionado, transmitiendo la desesperación de la joven. La orquestación de Puccini, delicada y equilibrada, complementa la voz de la soprano, resaltando su expresividad sin eclipsarla.

A pesar de su brevedad, "*O mio babbino caro*" es una de las arias más queridas y reconocibles del repertorio operístico. Su mezcla de simplicidad melódica y profundidad emocional la convierte en una pieza emblemática del estilo verista de Puccini, donde los sentimientos humanos se expresan de manera directa y sincera, con una fuerza dramática que conecta de inmediato con el público.

20/08/2024

¿Por qué esta obra de Massacio cambió la pintura para siempre?

Vos, yo y todos, estamos acostumbrados a ver imágenes planas con la sensación de tres dimensiones, es una cotidianidad, pero antes de año 1400 las personas jamás habían visto una imagen plana tridimensional.

Sobre este año, el 1400 el arquitecto Filippo Brunelleschi descubriría la perspectiva lineal mediante un método matemático. Su objetivo era imitar un espacio tridimensional en una superficie plana tal y como sería contemplado por el ojo humano.

Massacio quien fue contemporáneo tomó este descrubrimiento y lo plasmó en la primera obra pictórica tridimensional, siendo esta, “La trinidad”. obra que cambiaria para siempre la forma de pintar.

Hoy somos un poco más cultos 🙏🏾

(Los espero en Inst@ donde no censur@n algunas obras como acá en Fac3)

20/08/2024

Esta es una obra que todo ser humano debe escuchar algún día, El Nocturno en Mi bemol mayor, Op. 9, n.º 2 de Frédéric Chopin es una de sus composiciones más conocidas y apreciadas. Compuesta alrededor de 1830-1832, este nocturno destaca por su delicada y melancólica belleza.

La pieza se caracteriza por una melodía dulce y cantabile, que fluye con una elegancia lírica a lo largo de toda la obra. Está escrita en forma de canción, con una estructura ternaria (A-B-A), donde la sección A presenta un tema principal suave y expresivo, mientras que la sección B ofrece un contraste con un desarrollo más ornamentado y dinámico.

El acompañamiento en la mano izquierda mantiene un patrón regular y sencillo de acordes, que proporciona un colchón armónico sobre el cual la mano derecha despliega la melodía principal con ornamentos delicados y rubato, lo que permite a los intérpretes cierta libertad expresiva.

Este nocturno es un ejemplo clásico del estilo íntimo y emocional de Chopin, capturando una atmósfera nocturna y contemplativa, típica del género que él mismo popularizó. La pieza concluye con un regreso al tema principal y una coda que se desvanece en un final suave y etéreo.

19/08/2024

Hermoso detalle: fíjate en la transparencia de la prenda en seda, casi real.

Esta obra está ejecutada en formato horizontal y dividida en tres planos bien definidos: En el centro del banco podemos apreciar a una bella mujer vestida con una túnica vaporosa semitransparente de seda, cuyos rasgos faciales son similares al conocido fresco pompeyano realizado en el siglo IV entre el 55–79 d. C. Godward pudo inspirarse en él aunque tenía las hermanas Peetigrew como modelos que definían su ideal clásico y le acompañaban de manera recuerrente en sus pinturas.

La figura de Safo define el concepto del safismo o lesbianismo en la antiguedad y fue considerada por Platón como la décima musa. Hoy en día su figura es considerada un referente y una fuente de inspiración para muchos autores coetáneos y posteriores.

En esta obra, la poetisa Safo dibujada con precisión fotográfica le acompaña un espléndido paisaje costero que favorece la dinámica cromática. La bella dama ladea su cabeza para mirar de frente al espectador con aire pensativo y se muestra ensimismada en su mundo.

Obra completa en comentarios o Inst@gran

19/08/2024

El pobre fue condenado a "muerte de hambre" por robar una barra de pan durante el reinado de Luis XIV en Francia. La mujer era su única hija y la única visitante de su celda. Se le permitió visitarlo diariamente, pero la registraron tan minuciosamente que no le llevaron comida.

Cuando después de 4 meses el hombre aún sobrevivía sin perder peso, las autoridades quedaron perplejas y comenzaron a espiarla en la celda y para su total asombro, la encontraron amamantando al máximo a su padre compartiendo la leche de su bebé.

Los jueces entonces se dieron cuenta de la compasión y el amor de la mujer por su padre, lo perdonaron y lo liberaron.

Pintura que representa a una hija amamantando a su padre muriendo de hambre en prisión.

Arte de Pieter Van Mol

(Fac3b0k censur@ las obras como esta, puedes verla completa en Inst@

19/08/2024

Esta pintura puede recordarte a la famosa Mona Lisa de Leonardo da Vinci. Pero el artista pintó Ginevra de' Benci más de 20 años antes.

Descubra por qué este primer experimento fue revolucionario en la historia de la pintura.

Leonardo tenía veintitantos años cuando creó este retrato, ahora en la colección de la Galería Nacional de Arte.

El genio en ciernes acababa de comenzar a experimentar con un nuevo medio: la pintura al óleo

Mire más de cerca para ver con qué delicadeza pintó. Ginebra, Su rostro está modelado con capas de sombras que se profundizan gradualmente. Leonardo no utilizó líneas ni transiciones abruptas de color y luz.

Uno de los contemporáneos del artista escribió que él la pintó “con tal perfección que parecía no ser un retrato sino la propia Ginevra”.

La pose de Ginevra fue otra innovación. Se la muestra en una pose de tres cuartos, a medio camino entre una vista de perfil y una vista frontal.

Este es uno de los primeros retratos en vista de tres cuartos realizados en Italia.

Leonardo utilizó una técnica llamada salto para transferir su dibujo de Ginevra a un panel de madera

Hizo agujeros siguiendo las líneas del dibujo y luego lo colocó sobre el panel. Luego, Leonardo frotó tiza negra a través de los agujeros de la madera.

En estas imágenes infrarrojas de Ginevra de' Benci podemos ver los puntos del ataque. Las imágenes de reflectografía infrarroja utilizan cámaras especiales para revelar el material debajo de las capas de pintura (ver imagen)

El escenario del retrato de Ginevra fue una innovación del joven Leonardo.

En aquella época, las mujeres casi siempre aparecían retratadas en el interior, y los paisajes sólo se vislumbraban a través de las ventanas abiertas.

En cambio, Leonardo dejó a Ginevra al aire libre.

| No te pierdas el live del próximo domingo 25 de agosto, será una charla interesante sobre el arte y el inconciente, al principio del perfil está la casilla donde podrás asistir, te espero |

Síguenos también en Inst@, algunas obras son censur@das en Fac3bok.

18/08/2024

Piénsalo ❤️🚨

17/08/2024

Por primera vez en la historia del arte, se exhiben juntas las poderosas representaciones de: “Saturno devorando a su hijo"

Rubens (izquierda) Goya (derecha)

Museo del Prado de Madrid.

Un sueño sería verlas juntas 😍

17/08/2024

El médico cómo figura de esperanza en momento de enfermedad. La pintura centra la atención en la joven que reposa en aparente enfermedad mientras el doctor, taciturno y pensativo la contempla en silencio, tal ves buscando en sus conocimientos alguna cura que salve a la niña.

Su padre observa con esperanza la escena mientras si madre en presunto sollozo levanta una plegaria a la divinidad, por la postura de sus manos.

La luz principal viene de la lámpara a la izquierda del lienzo, que remarca la escena.

The Doctor - Joseph Tomanek | 1933

17/08/2024

Buenos días 🙏🏾🖼️

16/08/2024

En tiempos no tan lejanos, enamorarse era sinónimo de riesgo ante un padre y una madre rígidos en su moral, los encuentros de enamorados debían ser tras alguna forma que ocultara su amor y ni decir del momento en el cual se iba a blanquear el amor para llegar al compromiso

Jean León en esta obra plasma el momento en que, nerviosos, los enamorados esperan entrar al recinto donde su familia espera la buena nueva.

Idilio criollo | Jean León

16/08/2024

Jesús, en su ayuno de cuarenta días se ve enfrentado a la elección moral luego de ser enfrentado por el diablo, quien intenta tentarlo y hacerlo caer.

La pintura expone la situación tensa, su rostro cansado y confundido, sus manos apretadas puestas en la línea del horizonte como centro del lienzo nos llevan al ambiente de presión posible que pudo tener Jesús el Cristo.

El Cristo en el desierto es uno de los cuadros de Kramskoi, pintado en 1872.

Gran obra.

16/08/2024

😔🙏🏾

15/08/2024

La fortuna pasa, 1895.

En la escalinata de la Bolsa, frente a los hombres de negocios, la Fortuna arroja monedas de oro.

La profundidad del artista ❤️

Óleo sobre lienzo, 73.5 x 100 cm. Albert Maignan, artista francés (1845–1908). Museo de Bellas Artes de Reims, Francia.

15/08/2024

Observa la precisión y naturalidad en la mirada y la textura de la piel, dos detalles principales de esta pintura, la atención se centra en la mirada, cargada de fuerza y belleza.

Una alegoría de la victoria de Julio José Lefebvre. Óleo sobre lienzo. La figura alegórica tiene fuerza en sus ojos, porta hojas de laurel como corona y sostiene un bastón florido, todos atributos de la Victoria.

Déjame tu impresión de esta obra.

15/08/2024

Buenos días ❤️

14/08/2024

Bien pueda 👇🏽

https://open.spotify.com/show/3lg2MdWeb9tYV2XGqIOKf4?si=wrReCIAvRV2yrO4PXCSUKg

14/08/2024

Esta Cabeza de muchacha, conocida como La Despeinada es una obra del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está pintado con tierra oscura, ámbar verdoso y albayalde sobre tabla y mide 24,7 cm de alto y 21 cm de ancho. Está datada hacia 1508. Se conserva en la Galería Nacional de Parma en Italia

Esta pintura, a pesar de estar inacabada, muestra una gran belleza femenina.
Está documentada su existencia desde 1531, si bien existen algunas dudas sobre su autenticidad y, sobre todo, su datación. Por el estilo, parece uno de esos dibujos que realizó en los años 1500, que retoma ciertos temas de juventud, tratándolos con antigüedad y realismo, de manera más volumétrica. Recuerda por su postura y el peinado, a otro dibujo de esa misma época, estudio para la Leda, que se conserva actualmente en el Castillo de Windsor y muy importante.

14/08/2024

A qué entrañó tu mente 😏
Si lo logro, compartes.
Fíjate en la imagen.