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Arte INclusivo Podcast, New York, NY (2024)

12/29/2023

Preferí esperar hasta el fin del año para publicar las estadísticas de crecimiento de Arte Inclusivo el Podcast.
Quiero agradecerles de corazón por hacer que crezca, por darse unos minutos para escuchar, dar like, ver reels, etc. Gracias especiales a por haberse unido este año a producir el podcast con todo su talento y entusiasmo; y a por siempre animarme a seguir y echarme porras siempre con su invaluable amistad y su ojo (oído) crítico y honesto que valoro infinitamente.
Y gracias a ti, que escuchaste, que te entusiasmaste, a esos 6 fans para los que Arte Inclusivo es su Top Podcast, a esos 20 para los que fue su Top 5, a esos 24 para los que fue su Top 10, o a ti que lo escuchaste una vez cuando pudiste, o en otra plataforma, o dejaste una calificación de 5 estrellas, o un comentario. ¡Muchas gracias!
¡Arte Inclusivo seguirá creciendo y viene con todo en este 2024 que comienza!

I preferred to wait until the end of the year to publish the growth statistics of Arte Inclusivo el Podcast.
I want to thank you from the bottom of my heart for making it grow, for taking a few minutes to listen.
Special thanks to for joining me this year to produce the podcast with all her talent and enthusiasm; and to for encouraging me to continue and echarme porras always with her invaluable friendship and her critical and honest eye (ear)that I value infinitely.
And thanks to you, who listened, who got excited, to those 6 fans for whom Arte Inclusivo is their Top Podcast, to those 20 for whom it was their Top 5, to those 24 for whom it was their Top 10, or to you that you listened to it once when you could, or on another platform, or left a 5-star rating, or a comment… Thank you so much!
Inclusive Art will continue to grow and bring all to the table in this 2024 that begins!

#2023

11/25/2023

Las Guerrilla Girls son un colectivo anónimo de artistas y activistas feministas que critican las desigualdades raciales y de género en el mundo del arte y más allá a través de su artivismo.¡Síguelas en y escucha el episodio que te tenemos sobre ellas!

Ilustración: Sandra Mu, Wiki Commons

11/14/2023

¡Buenas noticias!
Tenemos nuevas secciones en !
El gabinete de curiosidades será un segmento que saldrá una vez al mes (en español y luego en inglés) donde te platicaré de datos curiosos del arte. El diccionario de arte saldrá dentro del episodio normal, también una vez al mes, y será una corta definición de algún término artístico.

¡Escucha ya los nuevos segmentos en !

07/23/2023

The Spirits of the Pumpkins Descended into the Heavens, Yayoi Kusama, 2019

Los espíritus de las calabazas descendieron al paraíso, Yayoi Kusama, 2019

07/17/2023

¿Sabías que…?
El récord de subasta para una mujer artista es de Georgia O’Keefe?
La pintura es “Lake George with White Birch”, óleo sobre lienzo, de 1932.
Vendió en Sotheby’s en 2014 por $44.4 millones de dólares.

Did you know…? The auction record for a female artist is Georgia O'Keefe? The painting is Lake George with White Birch, oil on canvas, from 1932. It sold at Sotheby's in 2014 for $44.4 million.

07/16/2023

Ruth Asawa (1926-2013)
Artista, activista y educadora estadounidense, de ascendencia japonesa.

Nació en el sur de California. Durante su niñez y adolescencia, ella y su familia se encontraban entre las miles de personas de ascendencia japonesa que fueron internadas a la fuerza por el gobierno de los EE. UU. durante la Segunda Guerra Mundial.

Estudió en Black Mountain College, donde conoció a Josef Albers, cuyos cursos de diseño le enseñaron a Asawa la importancia de las relaciones y la relatividad de la percepción.
Asawa viajó a México con Albers y su esposa, Anni Albers.

Fue en Toluca, México, donde un artesano le mostró cómo hacía cestas de huevos con alambre. Comenzó a crear sus esculturas flotantes con alambre. El proceso innovador de Asawa creó un nuevo tipo de forma escultórica, que producía un volumen tridimensional sin masa interior. Comparó el proceso de tejido con dibujar en el espacio.

A lo largo de su carrera, Asawa experimentó con diferentes medios. También creó e instaló varias esculturas a gran escala en espacios públicos.
Fue una ávida defensora de la educación artística en las escuelas públicas.

06/21/2023

Regresamos pronto…
Coming back soon…

03/31/2022

Marina Abramović, The Artist Is Present (La artista está presente), 2010, Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Marina Abramović (n. 1946, Serbia) es una artista reconocida mundialmente por sus performances, en donde utiliza su cuerpo como vehículo y sujeto de diferentes situaciones extremas que emplean la duración, el dolor, el peligro, el agotamiento y la participación del espectador, que complican la relación entre el arte y el público.
Entre 1976 y 1988, Abramović colaboró con el fotógrafo y artista de performance alemán Ulay.
En los años transcurridos desde entonces, Abramović ha trabajado de forma independiente, organizando actuaciones que exigen cada vez más la participación del espectador.
En su retrospectiva del Museo de Arte Moderno de 2010 "El artista está presente", los visitantes se sentaron frente a Abramović en comunión silenciosa. La ex pareja de Abramović, Ulay, se unió al performance, después de no haberse visto por mucho tiempo.
¡Échale un ojo a su magnífico trabajo!

03/30/2022

Hannah Höch, Cortar con el cuchillo de cocina durante la última época cultural cervecera de Weimar en Alemania (Schnitt mit dem Küchenmesser durch die letzte Weimarer Bierbauchkulturepoche Deutschlands) (1919-1920).
Fuente de la Imagen: © 2006 Bildarchiv Preussischer Kulturbesitz, Berlín, © 2006 Hannah Höch / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / VG Bild-Kunst, Bonn, foto: Jörg P. Anders, Berlín.

Hannah Höch (1889-1978, Alemania) fue una de las primeras en realizar fotomontajes. Fue eclipsada e infravalorada por sus contemporáneos masculinos y su obra ha tardado en hacerse notar. Perteneció al movimiento Dadá, y gran parte de su obra consistió en tomar imágenes y textos de los medios de comunicación y combinarlos en collages y fotomontajes para criticar las fallas del gobierno alemán de Weimar y para reflejar temas de género, por lo que es reconocida como una artista feminista.

03/28/2022

Imagen 1: Niki de Saint Phalle, Nana Boa, 1983 (Fuente de la foto: Christies.com)
Imagen 2: Shooting Painting - American Embassy
1961 (MoMA, 2019)
Imagen 3: Niki de Saint Phalle durante una sesión de tiro Impasse Ronsin, París (Fuente de la foto: André Morain, chron.com)

Niki de Saint Phalle (n. 1930, Francia, m. 2002, EEUU) fue una artista franco-estadounidense que comenzó su carrera en 1950 como pintora, pero después buscó técnicas que rompían con los estereotipos para realizar instalaciones, ensamblajes, esculturas, y hasta casas y parques figurativos.

Comenzando con sus Tirs (tiroteos), apuntaba con una escopeta a una tabla de madera que tenía globos rellenos de pintura, y luego disparaba (imagen 2 es el resultado). Después de los Tirs su enfoque cambió a realizar esculturas femeninas, coloridas y curvilíneas a las que llamó Nanas. Creó también parques donde “podrías tener un nuevo tipo de vida, simplemente ser libre”, e incluso escultoras “utópicas” que conforman su Jardín de Tarot en Italia.

A lo largo de su carrera creó obras artísticas feministas, performativas, colaborativas y monumentales y sin duda, únicas. Para ella “el arte puede alterar la percepción y cambiar la realidad”.

03/27/2022

Marcellina Akpojotor, Eyes on the gold V, Power Series II (Los ojos en el oro V, Series de Poder), 2018

Nacida en 1989 en Lagos, Nigeria, Marcellina Akpojotor utiliza piezas desechadas de tela conocida como “estampada africana” y otros materiales como pintura acrílica para realizar sus collages que exploran la identidad y la feminidad social y la memoria, y los problemas que las rodean.

Realiza retratos vibrantes, de tamaño considerable (éste mide 1.5m x 1.2m) y colocando a sus personajes en ambientes caseros para dar un sentido de intimidad a sus obras, y a la vez de empoderamiento.

Síguela en

Fuente de la foto: Sitio web de la artista

03/26/2022

Chiharu Shiota, Me, Somewhere Else (Yo, en otro lugar), 2018

“Siento que mi cuerpo está conectado con el universo, pero ¿mi conciencia también lo está? Cuando mis pies tocan la tierra, me siento conectado con el mundo, con el universo que se extiende como una red de conexiones humanas, pero si ya no siento mi cuerpo, ¿a dónde voy? ¿Adónde voy cuando mi cuerpo se ha ido? Cuando mis pies ya no toquen el suelo.”
-Palabras de la artista sobre su obra Yo, en otro lugar.

Chiharu Shiota (n. 1971, Japón) es una asentista multidisciplinaria mundialmente reconocida por sus instalaciones en las que teje enormes redes de hilo negro, blanco o rojo, transformando sitios específicos en ambientes como sacados de un sueño. Trata temas de identidad, ansiedad, pérdida, conciencia, memoria…

Fuente de las fotos: Sitio web de Blain Southern Gallery, Reino Unido

03/25/2022

Julie Mehretu, Deconstrucción empírica de Estambul, 2003

Julie Mehretu (n. 1970, Etiopía)
Julie Mehretu hace pinturas a gran escala que juegan con la abstracción. Las realiza superponiendo diversas capas de distintos materiales sobre lienzo: marcas hechas con lápiz, pluma, tinta y chorros gruesos de pintura, proyectando fotografías, planos, mapas informáticos y herramientas de diseño gráfico, añadiendo y quitando para crear sus inmersivas obras que dan una interpretación deconstruida de ciudades, historias, espacios, guerras y geografías, como "mapas de historias sin ubicación". Al partir de una ciudad, la obra de Mehretu toca temas de migración, capitalismo, cambio climático y diversos temas sociales.

Foto: MoMA 2019

03/24/2022

Guerrilla Girls, Do women have to be naked to get into the Met. Museum?(Tienen que estar desnudado las mujeres para entrar en el Museo Met.?), 1989

Las Guerrilla Girls son un grupo anónimo de artistas activistas que utilizan imágenes y estadísticas para exponer los prejuicios étnicos y de género y la corrupción en el arte, el cine, la política y la cultura pop. También realizan intervenciones y exhibiciones en museos de arte, exponiéndolos en sus propias paredes por su mal comportamiento y prácticas discriminatorias, En 1985 en la exhibición de arte contemporáneo titulada An Internacional Survey of Painting and Sculpture en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, o MoMA, en el que de los 169 artistas expuestos, solo 13 eran mujeres, la Guerrilla Girls hicieron su primera aparición. Se manifestaron llevando máscaras de gorilas y compartían un sentimiento de frustración al ser artistas, escritoras, historiadoras de arte, curadoras, etc.
Las Guerrilla Girls siguen llevando sus mensajes contra la discriminación y la desigualdad siguen hasta hoy, provocadores e irónicos, para poner en evidencia y producir un cambio en nuestra sociedad (aún) altamente patriarcal.
En lo personal son una inspiración… ¿Te gustaría escuchar más de ellas?

03/23/2022

Graciela Iturbide, Nuestra Señora de las iguanas, 1979

Graciela Iturbide (n. 1942, México) es reconocida mundialmente por sus imágenes en blanco y negro en las que la mayoría de las veces representa mujeres, enfocándose en comunidades indígenas, con un enfoque respetuoso y discreto basado en las interacciones personales: “Para mí es más importante conocer los mundos en los que viajo; este conocimiento es tan atractivo que la fotografía casi ocupa un segundo lugar”, ha dicho.
Su enfoque femenino la llevó a publicar el libro Juchitán de las Mujeres en 1979, que inspiró su apoyo de por vida a las causas feministas.
Mónica de la Torre (poeta y escritora) dice sobre ella: “Las imágenes de Iturbide, como metáforas, trascienden la interpretación lineal y el ámbito de lo visible.”

03/22/2022

Makinti Napananagka, Kungka Kutjarra (Dos mujeres), 2003
Makinti Napanangka (Tribu Pintupi, Australia, 1930-2011) era una mujer Pintupi, nacida en el área de Karrkurritinyja (Lago Macdonald). Comenzó a hacer pinturas con acrílico y lienzo en 1995, a sus 65 años. De inmediato su estilo se caracterizó por el uso de colores y patrones basados en los motivos de las faldas y cinturones ceremoniales tejidas con cabello humano de su cultura, además de representar los paisajes de su lugar de nacimiento.
Su pintura Kungka Kutjarra (Dos mujeres), hace referencia a dos figuras ancestrales que viajaron por el desierto para fundar nuevos asentamientos.La mitología, espiritualidad, la celebración cultural y la relación con la naturaleza son la esencia de sus obras.

Fotos: Invaluable.com, y Kate Owen Gallery

03/21/2022

Marisol Escobar, mujeres y perro, 1964 (Whitney Museum of American Art)
Marisol Escobar (1930-2016), o simplemente Marisol, fue una escultora venezolana-estadounidense nacida en París, que vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York. Sus esculturas fueron hechas en madera y a gran escala, con un estilo único en el que combinaba el arte popular y el arte pop.

03/20/2022

Beatriz González, Zócalo de la comedia, Zócalo de la tragedia, 1983

Beatriz González (n. 1932, Colombia) es una artista a la que se le asocia con el arte Pop, pero ella descarta tal asociación. En su obra, utiliza
a los medios de comunicación como fuente de inspiración. A menudo representa imágenes tomadas de revistas y periódicos y las retrata con colores llamativos y figuras planas en su propio estilo, tocando temas políticos y sociales de su tierra natal, a menudo con humor irónico.

En Zócalo de la comedia, Zócalo de la tragedia, González repite dos imágenes contrastantes de eventos ocurridos en ese momento: en Zócalo de la comedia, el presidente Julio César Turbay Ayala otorga un puesto de honor en sus últimos días como presidente, mientras en Zócalo de la tragedia, un hombre ha asesinado a su mujer y luego se ha suicidado.

González dice que el arte dice cosas que la historia no puede.

03/19/2022

Geta Brātescu, Hipóstasis de Medea II, 1980
Hipóstasis de Medea III, 1980
Hipóstasis de Medea IV, 1980

Geta Brātescu (Rumania, 1923-2018) realizó estas obras con lo que llamaba “dibujos de máquina de coser” mientras vivía bajo el régimen de la dictadura de Nicolae Ceaușescu. Sus medios fueron dibujo, collage, textiles, fotografía, cine experimental y performance. Es una de las primeras representantes conceptuales de Rumania.
Forzada a incorporar materiales caseros en su obra, los temas que desarrolló en su práctica se vuelven íntimos, y hace referencia a la identidad, género y desmaterialización.
Estos dibujos de máquina de coser en particular capturan la esencia de Medea, la hechicera de la mitología griega cuya complejidad y pasión fascinó a Brātescu.

03/18/2022

Tarsila do Amaral. Abaporu. 1928.

Tarsila do Amaral (Brasil, 1886-1973) estudió en París en los 1920s para regresar a Brasil y desarrollar su estilo característico inspirado en los paisajes y la gente de su cultura que resultó en imágenes vibrantes de escenas cotidianas. En 1928, pintó Abaporu para su esposo, el poeta Oswalde de Andrade, que representa una figura alargada y aislada con un cactus en flor. Esta pintura histórica inspiró el Manifiesto de la Antropofagia, un llamado a Brasil a romper con su pasado colonial y afirmar su propia identidad cultural. Tarsila do Amaral es considerada una de las figuras centrales en definir el modernismo brasileño.
“Quiero ser la pintora de mi país” dijo en 1923.

03/17/2022

Haegue Yang, Handles, MoMA 2019

Haegue Yang (n. 1971 en Seúl, Corea del Sur) utiliza diversos medios y materiales para crear sus obras, como objetos cotidianos y domésticos que disocia de sus contextos originales para formar composiciones abstractas y escenas multisensoriales que activa a través de efectos como calefactores, ventiladores, aromas, sonidos, e incluso la participación humana a través del performance. Su obra se basa en investigación y hace referencia a tradiciones artesanales vernáculas, filosofías espirituales esotéricas y eventos políticos contemporáneos.

La instalación Handles consistía en barras de apoyo de acero montadas en las paredes cubiertas de un tapiz iridiscente. En el centro del espacio, cinco esculturas de diversas formas a la vez que futuristas y prehistóricas, montadas sobre ruedas y cubiertas con cascabeles, sonaban cuando eran manipuladas por un grupo de artistas a una hora determinada. En el ambiente se escuchaba el canto de los pájaros grabado en la zona desmilitarizada entre Corea del Norte y Corea del Sur durante la histórica cumbre de 2018, mientras los reporteros se esforzaron por escuchar la conversación privada entre los dos líderes.

(Imagen 1, página web de MoMA)

03/16/2022

Lalla Essaydi, Harem #15, 2009
Harem #2, 2009
Harem #2, detalle
(Imágenes del sitio web de la artista)
Lalla Essaydi nació en Marruecos en 1956. En su trabajo combina el cuerpo femenino con la caligrafía islámica y los estereotipos de la pintura Orientalista para tocar temas relacionados con la compleja identidad femenina árabe. Cubre las imágenes con escritura árabe ilegible y hecha con henna, en referencia al arte masculino de la caligrafía y al arte femenino de la henna.

“En mi arte, deseo presentarme a través de diversas lentes: como artista, como marroquí, como tradicionalista, como liberal, como musulmana. En pocas palabras, invito al observador a resistirse a los estereotipos.”

03/15/2022

Monsal Pekar (Tíbet, n. 1964)
Imagen 1: Khampa Lady, circa 1990
Imagen 2: 30 Guerreros
(Imágenes de la página web de la artista)

Monsal Pekar realiza escultura, pintura y dibujo. Sus temas preferidos son la maternidad, mujeres de importancia histórica, deidades femeninas y el lugar que ocupan las mujeres en el budismo. En sus obras refleja la sabiduría y la trascendencia del papel de la mujer.

03/14/2022

El bordado no es una labor única de las mujeres, sin embargo la mayoría son realizados por ellas. A continuación, algunos bordados indígenas mexicanos en su honor:
1. Bordado huichol o wixárika (Sierra Madre Occidental- Jalisco, Nayarit, Durango, Zacatecas) Para la cultura huichol, el arte es una forma de codificar y canalizar el conocimiento sagrado.
2. Bordado otomí (Sierra de Hidalgo) Representa la cosmovisión del pueblo Otomí-Tepehua: la armonía entre animales, naturaleza y seres humanos.
3. Bordado chinanteco (Noreste de Oaxaca, colindando con Veracruz) Sus huipiles bordados representan la cosmovisión de su cultura acerca de la vida, la muerte y el origen del mundo.
4. Bordado zapoteca (Región del Istmo de Tehuantepec en Oaxaca) Los trajes de las tehuanas son hechos a mano con flores en colores llamativos, bordadas en un huipil de satín o terciopelo negro. Representan el orgullo cultural y social de les que le portan.
¡Faltaron muchos más! ¿Qué otro tipo de bordado conoces? ¿Qué bordados existen en tu país?

03/13/2022

Judith Scott, Sin título, 2002
Scott (Estados Unidos, 1943-2005) fue una artista con síndrome de Down y sordera. Empezó a crear a la edad de 43 años. Atendió el California’s Creative Growth Art Center (Centro Artístico de Crecimiento Creativo de California), un centro para personas con capacidades diferentes. Sus materiales favoritos eran las fibras como la lana, lo que utilizaba para envolver objetos que iban desde llaves hasta carritos de supermercado.

03/12/2022

Aida Muluneh, Sai Mado (La mirada distante), 2016

Nacida en Etiopía, Muluneh explora a través de la fotografía digital las diversas capas de su multifacética cultura. Analiza temas de repatriación con un magnífico énfasis en su propia cultura y el enaltecimiento y reconocimiento de la diáspora africana. Trata de hacer el arte “más digerible” para toda la gente sin importar estatus.
Ella dice: “Como mujeres, especialmente como mujeres africanas, olvidamos - y el mundo siempre olvida - nuestra posición en la historia, la religión y la cultura.”
¿En qué te hace pensar esta imagen?

03/11/2022

Mona Hatoum (n. 1952), Hot Spot, acero inoxidable y tubo de neón, Edición de la artista, 2013.

Su arte explora los conflictos y contradicciones de la humanidad, así como las relaciones entre la política y el pensamiento individual a través del performance y el uso de diversos materiales.
“Aunque nací en Líbano, mi familia es palestina. Y como la mayoría de los palestinos que se exiliaron en Líbano después de 1948, nunca pudieron obtener documentos de identidad libaneses. Fue una forma de disuadirlos de integrarse a la situación libanesa. Cuando fui a Londres en 1975 para una visita breve, me quedé varada allí porque estalló la guerra en Líbano, y eso creó una especie de dislocación, [que] se manifiesta en mi trabajo…”
 BOMB Magazine con Janine Antoni, 1998

03/10/2022

Ana Mendieta, Imágen de Yágul, de la serie Silueta, Works in Mexico, 1973-1977, 1973
Ana Mendieta (Cubana-estadounidense, 1948-1985). En sus performances, fotografías, filmes, esculturas, y más, Ana Mendieta creó obras con un aporte feminista, místico e íntimo al movimiento artístico conocido como Land Art o Earth Art (Arte de la Tierra). Exploró las conexiones entre su propio cuerpo y la naturaleza. En su serie “Silueta”, se recostaba en la tierra y dejaba su silueta para luego hacer una impresión con pintura, sangre, y otros materiales como flores, ramas, etc. Posteriormente fotografiaba los resultados. Sus trabajos han sido tomados como profecías de su propia muerte en 1985 cuando su esposo, el artista Carl Andre, fue acusada de lanzarla por la ventana del piso 34 del edificio de Nueva York donde vivían.
Deja un comentario si te gustaría un episodio sobre esta artista.

03/09/2022

Judy Chicago, Dinner Party (La mesa de la cena), 1974-79
Judy Chicago (n. EEUU, 1939) creó esta instalación, un icono feminista que se encuentra permanentemente en Museo de Brooklyn. La obra celebra los logros y la vida de 1,038 mujeres históricas y míticas y hace honor a todas aquellas cuya historia ha sido suprimida o borrada. La mesa es en forma triangular para simbolizar igualdad, y consiste en 39 lugares para 39 “invitadas de honor”.
Cada lugar, conmemorado individualmente, cuenta con un plato de porcelana pintada a mano con formas de flores y vulvas de estilos elaborados, cubiertos de cerámica, cáliz, y una servilleta con un borde de oro bordado. Un mantel para cada invitada fue bordado con técnicas y detalles históricos específicos. Debajo y a lo largo de la mesa, una serie de más de 2000 azulejos tiene inscrito en letras doradas con el nombre de 999 mujeres adicionales que han marcado la historia.
Además de conmemorar a la mujeres cuyas historias han sido olvidadas, Chicago reclama las artesanías como formas artísticas relegadas a labores femeninas.
Si quisieras oír más de Judy Chicago y su Dinner Party, deja un comentario o mándame un mensaje. ¡Puede ser el siguiente episodio de Arte INclusivo Podcast!

03/08/2022

Día Internacional de la Mujer.
Sigue existiendo una gran distancia entre la representación femenina y masculina en el arte. ¡Apoyemos a mujeres artistas!