*La Ventana Indiscreta* es un espacio de Cine Noir que trata de rescatar la cinefilia en la ciudad.
*La Ventana Indiscreta* se transporta a la pubertad cinematográfica de Christopher Nolan con una película que ha sido de los grandes fenómenos independientes de este siglo. Este filme neonoir no lo es tanto por la estética, sino más por un guion complejo y experimental en el que la importancia radica en la forma de contar la historia, más que la historia en sí. Martes 18 de Abril, 8:30pm. Centro Cultural Zafiros.
Tras ser testigo de un accidente, Lou Bloom (Jake Gyllenhaal), un apasionado joven que no consigue encontrar empleo, descubre como forma de ganar dinero el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles. Su trabajo es llegar al escenario de crímenes o accidentes y fotografiar lo sucedido para venderlos al mejor postor. Martes 7 de marzo, 8:00 PM, en Zafiros😎
*La Ventana Indiscreta* regresa con cine neonoir. En esta ocasión ofrecemos un trabajo de uno de los directores más interesantes de los últimos tiempos en los Estados Unidos: David Fincher. Otra vez en dupla con Jeff Cronenweth en la cinematografía, que ha otorgado a sus películas de una visualidad reconocible. Desde el Centro Cultural Zafiros presentamos: *The Girl with the Dragon Tattoo*.
Fincher presenta la historia de Mikael Blomkvist, un periodista que mientras espera poder librarse de una acusación de difamación que puede hundir su carrera, recibe un extraño encargo: trasladarse a una remota isla del norte de Suecia, donde la muerte no esclarecida de una joven cuarenta años atrás atormenta aún a su tío, el patriarca de una de conocida familia. Sospechando que el asesino puede seguir aún en la isla, Blomkvist emprende una investigación que lo lleva a descubrir los secretos y mentiras de la poderosa y rica saga familiar.
En Santa Clara, Centro Cultural Zafiros, Martes 7 de Febrero, 8:00 PM😉
Nos alejamos del cine nortemericano por un instante para visualizar un gran clásico del Cine Negro en las manos de uno de los mayores directores que ha dado este arte: Akira Kurosawa. Este martes 15 de noviembre, 8:00 PM en Zafiros 😉
*La Ventana Indiscreta* vuelve a Chandler con *The Long Goodbye*. Otra obra clásica del Cine Negro cuyo atractivo curioso para muchos es la temprana incursión de Arnold Schwarzenegger en el cine. Este martes 1 de noviembre, Centro Cultural Zafiros, 8:00 PM.
Vuelve *La Ventana Indiscreta* este martes 20 de septiembre con la que se ha citado en múltiples ocasiones como la mejor comedia de la historia. Una variación poco común dentro del Noir, que si bien esconde algunos elementos tragicómicos, no suele tener la comedia como centro de atención. Los Coen, nuevamente de manera magistral, rinden homenaje al género a través de la parodia de sus tropos con *The Big Lebowski*.
Mañana martes 12 de julio estaremos proyectando un clásico del Cine Negro: *La Dama de Shanghai*. En ella veremos a una de las grandes femme fatale de la historia del cine en su máximo esplendor, Rita Hayworth. Los esperamos a las 8:00 PM en el Centro Cultural Zafiros.
Un título nos informa que estamos en Los Ángeles en el año 2019 (entonces futuro), y luego Ridley Scott nos sumerge en una ciudad infernal y claustrofóbica. Los cielos están contaminados y hay una lluvia torrencial continua. El aire está tan podrido que está oscuro afuera, pero cuando estamos adentro, las luces exteriores brillan con fuerza. Un enorme rascacielos piramidal domina la ciudad.
Escenarios de megalópolis congestionada obsesivamente detallados; este es el futuro como un mercado negro, hecho de aspectos sórdidos revueltos del pasado. La urbe es mohosa, y mientras la miras observas su relación con la Metrópolis de Fritz Lang, las técnicas de iluminación de von Sternberg, con la Chinatown de Polanski y la Roma de Fellini.
El hecho de que casi toda la película transcurra de noche hace imprescindible un buen aprovechamiento de la luz. Los ángulos caprichosos de sombras y luces están fuertemente influenciados por el género Noir. A veces estas luces son tímidas, queriendo abrirse paso en la oscuridad, y otras dominan todo con colores vivos de neón. Este inteligente uso de la iluminación hace que sea una película oscura y atmosférica, pero siempre nos deja ver lo que está sucediendo.
Vangelis le da a la película esa carga de cine negro en su contraposición de música y silencio. Su música aparece de forma más destacada en las escenas al aire libre en las que la ciudad se muestra en todo su esplendor decadente, mientras que en las escenas de interior no suele haber música, para enfatizar el dramatismo y la interacción de los personajes.
La imagen trata este futuro retrógrado y mugriento como un hecho, una conclusión inevitable. La presunción del hombre plenamente realizado como un saqueador de la tierra es un elemento nuevo. Las películas de ciencia ficción del pasado solían ser utópicas o de advertencia; esta proyecta indiferencia, hastío y tal vez, hasta un poco de complacencia por esta visión de un futuro medieval. Sin embargo, todo eso es un elemento de background para tratar un tema que acecha en los bordes: ¿Qué significa ser humano?
Esta idea subyacente tiene una fuerte base visual: cuando una persona fabricada se parece a una persona nacida, cuando ni siquiera los ojos te dicen cuál es cuál, ¿cómo definir la diferencia?
Por eso los ángulos arquitectónicos vertiginosos y los coches de policía con forma de insectos que se elevan en la calle y entre los altos edificios y vuelven a caer. Todo contribuye al vértigo. Scott va más allá. Utiliza ángulos fuera de lo normal que no producen náuseas, exactamente, sino un mareo que nos prepara para los sentimientos de náusea que luego tendrá Deckard, debido al remanente de qué es un ser humano en la historia y en la realidad misma.
El conflicto de relación/posesión entre los “replicantes” y sus creadores, brinda numerosas interpretaciones de esta pionera película de ciencia-ficción crítica, que sin huir de los espectaculares efectos propios del género, incide en la reflexión sobre un inminente futuro, enlazando con las filosofías más clásicas del pensamiento.
Desde los inicios de la robótica, la informática y la tecnología en general, casi siempre se ha querido conseguir la liberación del hombre de su trabajo. El problema surge cuando esas máquinas esclavas comienzan a ser conscientes de su existencia, empiezan a sentir.
Esa cierta libertad de pensamiento las convertiría en “seres vivos”. ¿No esclavizamos a otros seres vivos de diversas formas, mediante la domesticación, cría y utilización en actividades agropecuarias? ¿Sería más ético si los replicantes no tuviesen aspecto humano? ¿Podría nuestra hipócrita sociedad limpiar su conciencia si los replicantes no fueran más que animales de granja en el espacio exterior?
Blade Runner emplea la tecnología como contraste para indagar en temas como el miedo, la esclavitud, la inmortalidad, las implicaciones morales de la manipulación genética, la creación de inteligencia artificial y la amenaza construida por el hombre contra sí mismo, el efecto del exagerado desarrollo de la civilización en el medio ambiente, la tecnología avanzada que no puede evitar la decadencia de las ciudades ni de la sociedad, el control sobre los individuos y las corporaciones como entidades dominadoras del mundo.
Las referencias al noir no son solo visuales, pues contiene y explora convenciones tales como la mujer fatal, la intriga, la narración en primera persona a lo Raymond Chandler (narración que no se encuentra en versiones posteriores) y la cuestionable perspectiva moral del héroe. Ridley Scott hace una reflexión admirable sobre la condición humana, en donde los límites de nuestra conciencia no se detienen con el ser humano, sino que se prolongan en su obra, en los androides.
Los temas filosóficos se extienden incluso a la religión. Los humanos tenemos sentimientos, raciocinio; los replicantes también, pero su Dios son los humanos y una vez mu***os todo lo que vivieron se perderá. Si hemos sido capaces de crear seres más humanos que los humanos, ¿Se necesita por tanto creer en una divinidad para justificar nuestra existencia? La respuesta es obvia.
Blade Runner es un clásico de culto. Estableció los estándares visuales a seguir cuando se trata de distopías en ciencia ficción, y más particularmente en el cyberpunk. Un futuro desolado, con avances tecnológicos, desigualdad social y corporaciones codiciosas.
Este martes, 5 de Julio, la película que prácticamente inauguró el género Cyberpunk: *Blade Runner* (1982). La película de Ridley Scott bebe los códigos del Noir para explorar las esencias del ser humano. Centro Cultural Zafiros, 8:00 PM.
"Yes, I killed him.
I killed him for money and for a woman.
I didn't get the money and I didn't get the woman.
Pretty, isn't it?"
Hoy, 8:00 PM, desde el Centro Cultural Zafiros de Santa Clara, estaremos proyectando otro clásico del Noir, "Double Indemnity" (1944).
Duración 106 min.
País Estados Unidos
Dirección Billy Wilder
Guion Raymond Chandler, Billy Wilder. Novela: James M. Cain
Música Miklós Rózsa
Fotografía John F. Seitz (B&W)
Reparto Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Edward G. Robinson, Tom Powers, Porter Hall
Sinopsis
En la ciudad de Los Angeles un agente de una compañía de seguros (Fred MacMurray) y una cliente (Bárbara Stanwyck) traman asesinar al marido de esta última para así cobrar un cuantioso y falso seguro de accidentes. Todo se complica cuando entra en acción Barton Keyes (Edward G. Robinson), investigador de la empresa de seguros.
Este martes 31 de mayo proponemos otro clásico del neonoir producido por los Coen, *Blood Simple*. Centro Cultural Zafiros, 8:00 PM.
El cine norteamericano está indisolublemente ligado al atraco, desde sus primeros pasos con The Great Train Robbery (1903) hasta el remake de Ocean's Eleven (2001) y muchos de los grandes aciertos cinematográficos estadounidenses tienen que ver con este género.
The Asphalt Jungle (1950), uno de los grandes clásicos del cine negro, y uno de los primeros sobre atracos, es una historia de un robo de joyas que sale mal (como no podía ser de otra forma con el Código Hays vigente). Es notable por sus detalles de procedimiento y por el énfasis en las vidas interiores de unos ladrones de poca m***a.
Como explica Miriam Figueras, de Espinof, «En su estreno, este film fue tachado de inmoral pues era evidente la intención del director de hacernos simpatizar con los criminales, en detrimento del cuerpo policial o de una profesión a priori respetable como la de abogado. Esta cinta trata de profundizar sobre unos personajes que, hasta el momento, habían sido mostrados y denunciados como simples malhechores. Comprenderlos e incluso identificarse con ellos, despertó ampollas en la sociedad del momento. Sin embargo, es este punto de vista el que sigue fascinando y atrayendo a los aficionados a este género tan complejo como sugestivo».
La historia es conocida, quizás porque ha sido copiada muchas veces desde entonces. Al salir de la cárcel, el cerebro criminal Doc Reidenschneider (Jaffe, nominado al Oscar) empieza a reclutar inmediatamente a los matones para su plan de atracar una joyería. Su equipo incluye a Hayden, que sueña con volver a su vida de juventud en una granja de Kentucky. El atraco en sí se resuelve rápidamente, el meollo de la película se centra en la implacable traición que sigue, así como en los vicios de los personajes, de la ciudad y de la sociedad norteamericana en general.
Como es habitual en Huston, la codicia y el anhelo de lo inalcanzable llevan a cada personaje a su perdición. La clave de todas las aspiraciones es una bolsa de piedras preciosas que, al igual que la estatua homónima en The Maltese Falcon (1941), resulta ser inservible. Rodada con un ojo para la sucia belleza de los bajos fondos y totalmente despiadada con sus personajes, La jungla de asfalto es un trago de café amargo, el retrato desgarrado de las bajezas y las debilidades humanas, con un realismo sobrecogedor, es sobria, seca, dura, sin concesiones, y contempla todo el sabor del auténtico cine negro de calidad.
Mañana martes 17 de mayo estaremos proyectando desde *La Ventana Indiscreta* el filme *La jungla de asfalto*, de uno de los directores míticos del cine clásico norteamericano. Centro Cultural Zafiros, 8:00 PM.
Ambientada en una metrópoli de ninguna parte, Sin City comienza con un plano general de una mujer mirando fijamente a la noche. Con un vestido reluciente color sangre se encuentra de espaldas a la cámara, ajena. Eso nos da tiempo para registrar que este rojo es el único color en un paisaje pintado exclusivamente de blanco cálido, negro y gris plateado. También le da tiempo al narrador (Josh Hartnett) para acercarse sigilosamente a ella. Pronto, el hombre le ofrece a la mujer un ci******lo y recibe algo mucho más valioso de ella a cambio. Con unas pocas frases cortas y un acto de violencia los cineastas analizan la muerte y la brutalidad subyacente a este mundo.
Aparte de la decisión de filmar en blanco y negro, hay muchas cosas que anuncian Sin City como un ejercicio de cine negro moderno. Desde la narrativa de voz en off hasta el uso frecuente de la palabra “damas” para describir a las mujeres, pasando por el hábito de fumar de cada personaje en pantalla y las calles siempre húmedas. La ciudad del pecado existe además fuera del tiempo, en un mundo donde los elementos de casi todas las décadas del siglo pasado están representados de una forma u otra.
Una ciudad donde la corrupción está a la orden del día aunque siempre es de medianoche. Los policías están sucios, las prostitutas están armadas y empoderadas. Los protagonistas son duros como el hierro, pero de todos modos los golpean. Acuden a bares sórdidos y se fascinan por femmes fatales. En un mundo tan severo como este es fácil enamorarse. Les da algo en lo que creer. Precisamente, estos dramas de tipos duros y mujeres escurridizas son versiones extremas de la sensibilidad del inframundo que han regido miles de novelas policíacas y películas noir de las décadas de 1940 y 1950.
Esta es una película que no trata de narrativa, sino de estilo. Interioriza el duro mundo de los cómics de Frank Miller y lo procesa a través de efectos de computadora, maquillaje grotesco, disfraces espeluznantes y diálogos cortantes. Los personajes son minados por los arquetipos que contienen; obtenemos no tanto de su presencia como de su esencia.
Robert Rodríguez es normalmente un director más interesado en construir el momento, las grandes tomas, los primeros planos de rostros sudorosos, en las sorpresas y las revelaciones irónicas; que en una historia coherente. Sin embargo, con Sin City encontró una disciplina narrativa al elegir seguir los cómics de Miller casi literalmente. Un artista gráfico no tiene tiempo ni espacio para la deriva. Cada cuadro contribuye y la historia avanza de página en página en vívidas instantáneas de acción. Sin City fácilmente podría haberse visto tan bien como se ve y ser un desastre, si no fuera por la energía de la narración de Miller, que no es el relato cronológico estándar de los eventos, sino más bien la crónica sensacionalista de un as*****to, iluminada por flashes.
Al igual que Pulp Fiction, que claramente influye en su estructura circular y en su reciclaje de arquetipos pop, Sin City gira en torno a tres historias extraídas del original de Miller, cada una más o menos independiente. Una sabia decisión porque a esta velocidad la narración de una historia en dos horas comenzaría a desfallecer antes de llegar al final.
Sin City es una orgía de violencia cínica sobre una siniestra superficie parpadeante. Rodríguez ha capturado tan fielmente la esencia de Miller que hay algo hermoso en todo el asunto. Es un acto de reverencia inspirada. El mérito que tiene la cinta es que gracias a ella aprecias este género por lo que es, o lo odias precisamente por lo mismo.
Este martes 19 de abril a las 8:00 PM en el Centro Cultural Zafiros estaremos presentando _*Sin City*_, una película que mezcla el neonoir con el cómic moderno en lo que Roger Ebert definió como "...una película que toma el Cine Noir y lo alimenta con esteroides". No se la pierdan😉
Este martes 5 de abril en el *Centro Cultural Zafiros*, a las 8:00 PM. *_La Ventana Indiscreta_* presenta "Touch of Evil". Recuerden, Calle Luis Estévez, al lado del Palacio de los Matrimonios😉
Yesterday, upon the stair,
I met a man who wasn't there.
He wasn't there again today,
I wish, I wish he'd go away...
📃"Antigonish" (1899), ✒️Hughes Mearns.
*"The man who was'n there"*
“Este pelo. ¿Te has preguntado alguna vez sobre eso?”, pregunta el barbero, mientras recorta a un niño lector de cómics, cuya coronilla ha convertido en un hipnótico espiral rubio. “Como sigue saliendo. Solo sigue creciendo y creciendo. Es parte de nosotros. Y luego lo cortamos y lo tiramos”. Su colega le dice que lo deje: su intensa y extraña charla va a asustar al niño. Pero el peluquero persiste. “Me voy a llevar este pelo y lo voy a tirar a la tierra. Lo voy a mezclar con la tierra de la casa.”, dice maravillado, en voz baja, aparentemente al borde de algún tipo de crisis nerviosa. Pero entonces, con una mínima mueca de desprecio, el barbero aleja el pensamiento y vuelve a colocar su siempre presente ci******lo: “No sé. Olvídalo”.
Toda la fuerza, la sobriedad y el profundo enigma de la magnífica interpretación de Billy Bob Thornton están contenidos en esa escena brillantemente controlada y modulada. Esta película es, sencillamente, una obra maestra de los hermanos Coen, y la melancólica presencia de Thornton como el barbero Ed Crane es un logro impresionante. Es reticente, vigilante, ni ingenuo ni hastiado, sino duramente estoico; es tranquilamente cínico e incluso desesperado, pero con una fuerte tensión de decencia, incluso pintoresca. El retrato de un hombre tan atrapado por la vida que quiere gritar.
Apenas tiene diálogos, pero domina la película a través de su estruendosa voz de tenor; en efecto, está ahí pero no está. Se trata de una interpretación clásica de Thornton: un paradigma de la ordinariez americana viril, pero ligeramente desconcertada.
La obra es un thriller al estilo de James M. Cain, ambientado en la California suburbana de 1949 y obviamente influenciado por las películas de la época, pero que de alguna manera transmite el crujido atmosférico de un extraño cuento. Es la historia de cómo el autosuficiente Ed Crane, en su anhelo de una mejor posición en la vida que la de humilde barbero, con su bata y sus tijeras, solo consigue verse mezclado en una aventura adúltera, lo que lleva al chantaje, al derramamiento de sangre y a la sombra de la silla eléctrica.
El hombre que no estaba allí está rodada en blanco y negro por el veterano director de fotografía de los Coen, Roger Deakins, con lugares y decorados magníficamente observados, exquisitamente iluminados, diseñados y amueblados. Como en muchas de las películas de los Coen se invoca todo un universo, en parte reconocible como el nuestro y, sin embargo, diferente, una variante extravagante de la vida real con sus propias instalaciones, accesorios y marcas.
Frances McDormand es otra razón de peso para ver esta película, la quejosa esposa que se casó con nuestro adusto y taciturno Ed tras un noviazgo de apenas dos semanas, y que al ser preguntada sobre si deberían conocerse más, simplemente respondió: “¿Hay algo mejor?”.
Con extraordinaria claridad y economía, Joel y Ethan Coen presentan escenas de un matrimonio tan fascinantemente tenso como cualquier otra cosa en el cine. Todo el tiempo el rostro de Thornton se cierne sobre un monte de inquietud. Más tarde, el prepotente abogado de Ed le describe como una pieza de arte moderno, y eso es lo que es, una pieza de arte, que además la cámara adora: su rostro es una composición de planos y líneas, riscos y arrugas, definidos por las patas de gallo que se abren en abanico cuando entrecierra los ojos al sol, o para filtrar el humo del ci******lo.
Para ser una película sobre crimen avanza a un ritmo curiosamente lento. Esto es deliberado, forzado por la personalidad de Ed Crane. No es un hombre veloz, y tenemos la impresión de que las decisiones cruciales de su vida -su trabajo, su matrimonio- se tomaron por defecto. Tiene la segunda silla en una peluquería, junto a su hablador cuñado Frank. Pasa la mayor parte de sus horas despierto cortando pelo y fumando, con el ci******lo colgando de sus labios mientras se inclina sobre sus clientes.
El noir raramente trata de héroes. Va más bien sobre hombres que se ven atraídos de sus tímidas rutinas por sueños de riqueza o romanticismo. Su pecado es de arrogancia: estos gusanitos se atreven a soñar que son ricos o felices. Como indica el título, El hombre que no estaba allí lleva este paso más allá, al reino de un hombre que apenas existe aparte de sus transgresiones.
Cine negro clásico especializado en la mala suerte y los giros irónicos del destino. Un crimen se comete impecablemente, y entonces el perpetrador queda atrapado por un detalle inconsecuente y no relacionado. Eso es lo que pasa aquí, pero con los detalles movidos, por lo que el culpable lo es no del crimen que cometió, sino del crimen que no cometió. La trama es uno de esos giros de cine negro hechos de ginebra y adulterio, donde el hombre correcto es condenado por el crimen equivocado. El aspecto, la sensación y el ingenio de esta película están tan amorosamente modulados que te preguntas si alguien más podría haberlo hecho mejor que los Coen.
Este martes 15 de marzo a las 8:00 PM Centro Cultural Zafiros te trae esta propuesta. Al lado del Palacio de los Matrimonios de Santa Clara😉.
🎥 El hombre que nunca estuvo allí (2001)
Directores🎬
Ethan Coen, Joel Coen
Reparto🎭
Billy Bob Thornton
Frances McDormand
Tony Shalhoub
James Gandolfini
Scarlett Johansson
Michael Badalucco
Jon Polito
Sinopsis📝
Verano de 1949. Ed Crane (Billy Bob Thornton), un introvertido barbero de un pueblecito del norte de California, se siente insatisfecho de su rutinaria vida. Las infidelidades de su mujer (Frances McDormand) le brindan la oportunidad de ejercer un chantaje que podría ayudarle a cambiar su apática existencia.
Gracias a CarloCarlos Daniel Quiroga MorejóneCarlos Daniel Quiroga MorejónoCarlos Daniel Quiroga MorejónjCarlos Daniel Quiroga Morejónel cartel🙏
Bajo la dirección de Matt Reeves, Robert Pattinson debuta como Bruce Wayne en la superproducción que se estrena este jueves en cines chilenos. Influida por clásicos como Chinatown y Todos los hombres del presidente, la cinta observa al personaje a través de la óptica del cine negro. “Lo que m...
https://medium.com/el-caim%C3%A1n-barbudo/volver-sobre-lo-so%C3%B1ado-c3b348f54379
“El sueño eterno es su primera novela. Escribió El sueño eterno en tres meses”, vuelvo a repetirme, justo antes del final…
"El sueño eterno"
✍🏻Miguel Ernesto Dorta Pedraza
Raymond Chandler no se puede pasar por alto cuando se trata de «negro». Su Philip Marlowe es el Sherlock Holmes del cine clásico, probablemente el más famoso entre los investigadores de las películas Noir. En nueve novelas, la mayoría de ellas elaboradas a partir de relatos cortos, Chandler descubrió una mezcla de crimen y vileza humana a través de la mirada de Marlowe. Humphrey Bogart tampoco se puede pasar por alto, ya que también interpretó a la figura central del otro gran escritor del género, el Sam Spade de Dashiell Hammett en El halcón maltés (1941).
Con The Big Sleep (El sueño eterno) el Philip Marlowe de Bogart se convierte en el prototipo de detective privado, en el tipo de investigador que el público pensaba y sigue pensando intuitivamente. La escena es Los Ángeles. Es un mundo descontrolado, sin moral, sin principios, donde reina la ley del más fuerte. En este mundo, Marlowe está tratando de entender su idea de la ley y el orden, que no siempre es sinónimo de “legitimidad”.
En este caso el detective es contratado por el general Sternwood, chantajeado porque su hija menor, Carmen (Martha Vickers), ha acumulado deudas de juego y está asociada a personajes sombríos. Un empleado de Sternwood ha desaparecido. La hija mayor, Vivian (Lauren Bacall), también está metida en un juego peligroso. A medida que Marlowe se involucra más en los casos los cuerpos empiezan a amontonarse, llevando al detective a preguntarse si las mujeres saben más de lo que dicen.
El director Howard Hawks (Scarface, 1932; Bringing Up Baby, 1938; To Have and Have Not, 1944) fue un maestro de su oficio, pero también uno de los cineastas más populares de su generación. Hawks era flexible en el uso de los géneros y durante mucho tiempo, al igual que Alfred Hitchcock, fue considerado un cineasta comercial ─es decir, superficial. Solo en la década de 1960, al final de su carrera, se examinó más profundamente la obra de Hawks.
En The Big Sleep se perciben todas sus facetas. Se reconoce al experto, al veterano que sabe dirigir y utilizar la cámara y a las estrellas, sobre todo cuando se hace a partir de un guion como este, repleto de finos puntos retóricos, dobles sentidos y sentencias concisas. Se reconoce al infravalorado autor, al maestro del diálogo, que tiene debilidad por los personajes femeninos de ingenio rápido y humor subliminal. Pero también se reconoce al popular director de estudio que no deja que las sombras clásicas del Noir se alarguen demasiado, que trata el pesimismo del género de forma un poco más superficial y limpia, porque en definitiva también trata esta película policíaca como una película de entretenimiento. Eso hace que la cinta sea un poco más ligera, pero no necesariamente peor. Al contrario.
El gran crítico de cine Roger Ebert dijo: «Es típico de esta película que nadie está de acuerdo ni siquiera en por qué es tan desconcertante. Sin embargo, eso nunca ha afectado la perdurable popularidad de The Big Sleep porque la película trata del proceso de una investigación criminal, no de sus resultados».
El sueño eterno transmite el ambiente y el alto calibre del Noir. En 1946 el cine negro alcanzó su apogeo, y los detectives Marlowe y Spade fueron el punto de referencia del género, trayendo figuras oscuras del inframundo, detectives cínicos, femme fatales (buenas, malas y en algún punto intermedio).
William Faulkner dio el toque final a los diálogos. Son, por tanto, las estrellas las que hacen que The Big Sleep sea tan especial y merezca la pena verla. La frialdad de Humphrey Bogart no puede ser copiada. Es sarcástico, seductor y duro. Un maestro de las insinuaciones, de las que está lleno el guion. Como solía pasar en esta época, había que ingeniárselas para sortear el Código Hays, por eso vemos algunas líneas tan audaces: «Ella trató de sentarse en mi regazo mientras yo estaba de pie» o «preferiría mojarse aquí».
Por último, pero no menos importante, esta es también una película sobre la pareja protagónica. Una de las relaciones más íntimas y románticas de la historia de Hollywood. Lauren Bacall ─sólo con 22 años y en su tercera película─ crea un personaje resbaladizo y sospechoso. Su química con Bogart es deliciosa y juguetona. Por eso el juego de atracción y repulsión entre Marlowe y Vivian chisporrotea tanto.
The Big Sleep no puede limitarse a meras palabras, sobre todo porque es demasiado confusa. Necesita ser experimentada. La adaptación de Hawks mistifica, encanta y crea suficiente tensión, suspenso y confusión para mantenerte ocupado durante las casi 2 horas de rodaje.
El Martes 15 a las 8:00 PM en el Centro Cultural Zafiros, al lado del Palacio de los Matrimonios, *La Ventana Indiscreta* te trae *The Big Sleep*. De Howard Hawks, con Humphrey Bogart y Lauren Bacall. Basada en novela de Raymond Chandler.
"Forget it Jake. It's Chinatown"
"El Cine Negro es, ante todo, estilo" - Roger Ebert😎🚬
Hoy, 8:00 PM. Centro Cultural Zafiros😉
Una reseña sobre la película del Martes😉
📽 *EL BRILLANTE DESCARO DE PULP FICTION*
A menudo copiada, pocas veces igualada, Pulp Fiction definió un nuevo estándar cinematográfico
✍ Miguel Ernesto Dorta Pedraza
📌 *HorizontesMedium*
https://bit.ly/3udDrha
A menudo copiada, pocas veces igualada, Pulp Fiction definió un nuevo estándar cinematográfico
Regresa el espacio *La Ventana Indiscreta* a Santa Clara. Primeros y terceros martes de cada mes, ahora desde el Centro Cultural Zafiros, en la Calle Luis Estévez, justo al lado del Palacio de los Matrimonios. Este martes 1° de febrero a las 8:00 PM reabrimos con un reconocido film neonoir de la autoría de Quentin Tarantino: *Pulp Fiction*.
Centro Cultural Zafiros, Calle Luis Estévez
Santa Clara
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